Музыка для вдохновения художника: Яндекс.Музыка

Содержание

Музыка как Вдохновение: История за видео NAD M10

 

С момента своего появления в 2005 году флагманская Masters серия NAD раздвигает границы домашних аудиокомпонентов. Обладая некоторыми из самых передовых на сегодняшний день технологий усиления, серия NAD Masters была разработана для того, чтобы показать, что аудио высокой точности и профессиональное мастерство могут быть доступны для всех. Почти два десятилетия спустя NAD снова поднимает планку с NAD M10. Богатая функциональными возможностями, M10 обеспечивает безупречное воспроизведение звука и невероятную универсальность.

Чтобы запечатлеть заботу и опыт, которые представляет М10, мы обратились с призывом к художникам, которые могли бы красноречиво проиллюстрировать эмоции, передаваемые выступлением М10. Как выпускница крупнейшего и самого престижного университета искусств и дизайна Канады, Мелани Кей (Melanie Keay) из Торонто была идеальным кандидатом для того, чтобы воплотить эту кампанию в жизнь на пленке. Внося все, начиная от живописи, рисования и скульптуры в свои работы на протяжении многих лет, Мелани также использует музыку, чтобы подпитывать и влиять на ее творческое творчество, позволяя звукам различных музыкальных произведений управлять и создавать уникальные личные вещи.

Выбрав три отдельных музыкальных произведения, которые послужат ее вдохновением, мы попросили Мелани создать произведения искусства, основываясь на том, как песни, которые играли на М10, заставляли ее чувствовать. Результатом стали три картины, которые идеально передают ощущение прослушивания музыки с М10, и в то же время представляют 45-летнюю приверженность NAD к совершенству и инновациям.

Здесь мы поговорим с Мелани о ее творческом процессе и о том, как музыка вдохновила финальные произведения.

 

NAD: Почему ты предпочитаешь слушать музыку во время создания своих работ?

Мелани Кей: У меня всегда играет музыка, когда я рисую, как способ успокоить свой разум и сосредоточиться на поставленной задаче. Может быть трудно отключить ту часть мозга, которая мыслит так логично, освободив место для творчества без осуждения. Музыка помогает мне в этом.

Какая музыка вдохновляет вас больше всего и как она влияет на ваш творческий процесс?

Нет никакой специфической музыки, которая вдохновляет меня, я просто слушаю то, что говорит со мной в этот момент. Это так зависит от настроения, поэтому жанр музыки всегда меняется. Это, конечно, влияет на то, как я рисую, будь то темп движения кисти или цвета, которые я использую, но я просто чувствую, что она обладает уникальной способностью впитывать в себя некоторые из этих скрытых мыслей и эмоций и помогать выводить их на холст.

Мы попросили вас создать три картины, слушая при этом три разных музыкальных произведения. Можете ли вы описать, как музыка вдохновила на конечный результат?

В первой части песни чувствовался очень вокально-паульский [чемпионский] голос, который был в центре внимания песни, а инструментальная составляющая была второстепенной. Я думал и о тексте, идея попрощаться и расстаться с любимым человеком несколько парадоксальна в том, что это одновременно и болезненно, и умиротворяюще.

 

 

Черная круглая форма в центре напоминала портал, откуда эти цветные мазки кистью выходили или выходили. Каждый мазок кисти вдохновлялся красотой и размерами голоса Паулы.

Для песни "Touch" от Ghostly Kisses я был заинтригован названием песни и подумал, что было бы интересно привнести в работу почти образное качество. Слово само по себе тактильно, и я хотела, чтобы формы как-то отражали это. Я думаю, что тот факт, что эти две формы на самом деле не трогательны, но так близки, представляет собой некое напряжение в произведении, которое я почувствовала через музыку... напряжение в смысле желания чего-то, или кого-то, кто едва находится в недоступном для меня месте.

 

 

Электронная плавность песни вдохновила на эти жидкие изогнутые мазки кисти, которые просто чувствовались очень естественно с темпом песни. Радужная форма в верхней части предполагает, что эти формы каким-то образом связаны между собой, через эмоции, музыку, или каким бы способом вы ни хотели интерпретировать формы, протекающие между ними. Кроме того, я решил поместить формы в какое-то узнаваемое архитектурное пространство, чтобы дать ощущение уединенности, близости и близости между ними.

Классическая работа была более энергичной, чем другие, поэтому я хотел работать с более крупными кистями и разбавленными красками, чтобы создать очень выразительные мазки кистью с красками по металлу для нижней части картины. Слой за слоем я работал с маленькими кистями с более контролируемыми движениями и формами, которые двигались по холсту почти последовательно. Мне очень понравилось то, как работает симфония - все эти отдельные компоненты работают вместе, создавая одну большую картину.

 

 

Композиция органически стала этим круговым, закручивающимся движением, которое направляет глаз из верхнего левого угла, вокруг картины вниз, а затем снова вверх, откуда она начинается - это становится танцем для глаз вокруг холста, повторяющимся самим собой.

 

 

Следуйте за Мелани на Инстаграм и посмотрите больше ее работ. здесь

Мунк + Музыка | Норвежский художник Эдвард Мунк

Бывает так, что посмотришь на картину – и в голове звучит музыка. Именно так музыка проникает тебе внутрь и пробуждает мысли, когда смотришь на творения

одного из самых известных в мире художников, норвежца Эдварда Мунка.

Мы попросили четырех норвежских исполнителей написать мелодии, вдохновившись любимыми полотнами Эдварда Мунка. Учитывая разнообразие стилей, мы воспользовались возможностью и подобрали авторов столь же разных, как и творчество Мунка. Матома (здесь – в сотрудничестве с Рубеном) известен своими бескомпромиссно броскими хитами, а «9 grader nord» – своей напитанной энергией фольклорной музыкой. Разительно отличаются от двух предыдущих группа «1349», относящаяся к лидерам черного металла, и Гунделах, работающий в жанре скандинавского нуара. Все они вложили душу и огромные усилия в создание своих интерпретаций, результатом чего стали четыре занимательных  фильма.

Edvard Munch paintings.
Photo: The Munch Museum

Музыканты могли выбрать любые картины, и если у одних уже были любимые полотна, другим пришлось искать что-то подходящее по теме и звучанию. В итоге на свет появились абсолютно не похожие композиции, которые будут звучать на открытии нового музея Мунка в 2020 году, а также на главных международных выставках Мунка в Токио, Москве, Лондоне, Пекине и других городах мира.

Новый музей Ламбда, спроектированный всемирно известным испанским архитектором Хуаном Эрреросом, уже сам по себе станет достопримечательностью. Здесь не только разместятся произведения Мунка, но и будут проводиться увлекательные временные выставки и мероприятия. Он будет выделяться среди окружающих зданий, и, благодаря расположению, в его огромном стеклянном фасаде будет отражаться Осло-фьорд. Несомненно, это повысит интерес к творчеству Мунка и сделает его более доступным. Ведь он, что ни говори, один из самых влиятельных и вдохновляющих художников всех времен – даже для мира музыки.

Процесс изобразительного творчества и проблема "обратных связей"

Волков Н.

Творчество художника, процесс изображения и восприятие изображения

Начиная со второй половины XIX века естествоиспытатели, искусствоведы и художники пытались связывать теорию изобразительного искусства с данными физики, физиологии и психологии. Импонировала научность фундамента. Законы искусства выводили из законов оптики и закономерностей зрительного восприятия. При этом ученые второй половины XIX века, такие, как Г. Гельмгольц, теоретики импрессионизма, цветоведы, исходили из типичного для того времени понимания задач художественного изображения. Тогда считали само собою разумеющимся, что действительность может и должна выглядеть на картине точно такой, какой "мы ее видим". Именно для этого Гельмгольц, например, пытался вывести правила изображения "верных" светлотных отношений и светлот из законов приспособительной функции глаза, а цветеведы - правила цветосочетаний из законов цветового зрения, а именно - из законов смешения и контраста цветов. Позднее пытались использовать также, правда, уже на почве иных эстетических взглядов - факты синэстезий и еще менее ясные факты прямых связей отдельных цветов и цветосочетаний с эмоциями и идеями (зачинатели цветовой музыки, В. Кандинский).

Итак, изучали законы цветового зрения, процесс восприятия и синтез "представлений" как общий процесс.

С этой точки зрения задача описания и моделирования творчества художника кажется не слишком сложной.

Но разве задача изображения не требует особого восприятия цвета для его передачи на ограниченном куске плоскости, разве она не покоится на особом восприятии пространства для изображения?

Была ли это реакция против натурализма и импрессионизма, как некоторые думают, или против академической рецептуры, но в самом конце XIX и начале XX века многие художники и искусствоведы увидели недостаточность прямого перенесения общих данных науки о зрительном восприятии на творческий процесс. Снова возникла старая идея, которую Гете выразил так: на картине мы видим мир "более зримый" (яркий, выразительный), чем действительный мир.

А. Гильдебранд и позднее Г. Вельфлин, а у нас В. Фаворский, П. Павлинов, Н. Радлов стремились осмыслить процесс восприятия и синтез представлений, необходимый для художественного изображения. Не всякое явление, а только выразительное явление предмета воспроизводится в искусстве. А. Гильдебранд противопоставлял "форме бытия" "форму воздействия" - выразительную форму. Процесс восприятия действительности художником должен быть, по его мысли, отбором "форм воздействия", необходимых для художественного изображения, и их синтезом. Фаворский в этом же смысле говорил о передаче времени, движения и пространства в композиционном рисунке.

Сразу же стала очевидной роль противоречия между изобразительной плоскостью и трехмерным пространством, между движением, жизнью и ее неподвижным образом на картине. Возникли понятия "далевой образ" и образ, представляющий собой синтез двигательно-зрительных данных при рассматривании предмета вблизи (А. Гильдебранд). Стали различать рисунок "объемный" и "плоскостный" (светотеневой) (Г. Вельфлин, Н. Радлов). Первый связывали с обобщающей функцией "представления", второй - с "чисто оптическим" подходом к действительности (В. Фаворский, П. Павлинов). Акцентировали именно "представление" и синтез представлений, синтез разных профилей предмета, разных пространств, разных состояний во времени (В. Фаворский).

В эти годы, углубившись в специальные исследования, психологи и физиологи потеряли интерес к вопросам искусства, и названные теории художников сводились к своеобразному использованию данных времен Гельмгольца и Сеченова.

Но хотя данные психологии и физиологии были старыми, изучение восприятия "для изображения" шло по новому пути. И эта новизна не была принята в те годы естествоиспытателями.

Итак, изучали либо восприятие (представление) действительности как общий процесс, либо, позднее, постулировали особый характер восприятия (представления) действительности в целях изображения, привлекая для его объяснения данные общей психологии и физиологии. Но сам реальный процесс изображения ни как "ремесленный", ни тем более как творческий совершенно не изучали. Не исследовали и восприятие изображения, неизбежно существующее в этом процессе, пропустили важнейшую проблему "чтения" изображения, от решения которой в значительной мере зависит также и решение вопроса об особенностях восприятия действительности "для изображения". В понятии "формы воздействия" (выразительной формы) содержалось только предчувствие этой проблемы.

В те годы не видели, что процесс восприятия предмета (действительности) художником определяется не только задачей изображения, но и самим процессом изображения, характером этого процесса и его существенной частью - восприятием возникающего изображения, и не замечали, что изобразительная и выразительная сила любых средств проверяется на каждом шагу в процессе изображения, начиная с первых линий и пятен.

Говоря языком современной науки, раньше имели в виду только прямые связи изображения с действительностью (от предмета к изображению, как в фотопроцессе) и их каналы и совершенно не изучали сам процесс изображения и роль поступающей информации о возникающем изображении, не видели особого характера и значения обратных связей (от изображения к предмету для продвижения и улучшения изображения).

Если же уяснить существенную разницу в каналах информации между восприятием предмета и восприятием его изображения, станет очевидной вся несостоятельность попыток построить теорию творческого процесса художника на основании общих данных о восприятии, игнорируя особенности восприятия изображения.

Нужна радикальная расчистка почвы, изъятие формул, преодоление многих предрассудков, нужна объективная феноменология процесса.

 

* * *

 

Принято различать творчество художника, создающего концепцию мира (толкование ли это его сущности или же это - идеальный образ), и работу художника, "подражающего" природе, копирующего явления.

Теперь (во всяком случае, в среде художников) названную эстетическую альтернативу переносят и на сам творческий процесс, путая ее с противопоставлением "чисто рецептивной" работы с натуры и "продуктивной", то есть творческой деятельности.

Эта путаница делает еще более актуальным объективный анализ процесса изображения.

Пусть не удивит читателя, что анализ процесса изображения я связываю с критикой положений уже названной книги А. Гильдебранда "Проблема формы", вышедшей более семидесяти лет назад. Несколько цитат, приведенных ниже, убедят, насколько они еще современны. Терминология Гильдебранда постоянно встречается в высказываниях советских художников и искусствоведов.

Художественное творчество, по идее Гильдебранда, заключается в отборе "форм воздействия", в основном в отборе "пространственных ценностей". В связи с этим Гильдебранд противопоставляет восприятие и представление.

"Значение представления в противоположность прямому восприятию и простому сохранению в памяти воспринятого образа заключается в усвоении таких ценностей впечатления". "Таким образом, для художника изображение природы сводится к изображению мира форм, уже переработанных его представлением и перечеканенным в пространственные формы воздействия".

Этой "художественной" точке зрения Гильдебранд противопоставляет нехудожественную, "позитивистическую" точку зрения. "Так называемая позитивистическая точка зрения ищет правду в восприятии самого предмета, а не в том представлении о нем, которое в нас образуется, и видит художественную задачу только в точном воспроизведении непосредственно воспринятого. Всякое влияние представления она считает искажением так называемой правды природы и стремится с этой точки зрения довести процесс изображения до степени возможно точно имитирующего аппарата, при чисто механическом, рецептивном отношении к изображаемому" (здесь Гильдебранд имеет в виду натурализм XIX в. - Н.В.). Кульминационная точка в отношении к явлению была бы достигнута, если бы мы могли воспринимать с неопытностью ребенка (здесь Гильдебранд имеет в виду импрессионизм. - Н.В.). Изобретение фотографии весьма способствовало этим явлениям.

...Импрессионизм в современном смысле слова думает разрешить художественную задачу при помощи единства явления только для пассивного глаза.

Явление природы понимается тогда только как красочный ковер, который рассматривается и изображается художником с точки зрения функции глаза.

Явление же как выражение чего-то пространственного или предметного не принимается при этом в расчет, следовательно, не принимается в расчет также и продуктивная деятельность глаза. Это только чисто оптическое впечатление сетчатки... Поэтому я бы хотел это понимание единства назвать рецептивным или, принимая во внимание его происхождение, физическим или оптическим".

Знакомые выражения, знакомая критика! "Чисто оптический подход", "имитативность", "оптическое впечатление сетчатки", "пассивный глаз". Связь с фотопроцессом, "фотографизм".

Разберемся же в вопросе серьезно, усвоив тот факт, что научный фундамент, казавшийся прочным семьдесят лет назад, устарел. Сейчас никто не думает о возможности "чисто оптического впечатления сетчатки". Сейчас никто не станет отрицать, что любой зрительный акт возбуждает сложные связи в коре человеческого мозга и никогда не сможет остаться на уровне "физической" оптики.

Изложенный ниже анализ "работы глаза" в процессе изображения имеет в виду учебный, так называемый "академический" рисунок с натуры. Выбран он с явным умыслом. Именно такой рисунок В.А. Фаворский, следуя терминологии Гильдебранда, называл рисунком для пассивного глаза. Огромный авторитет Фаворского заставляет и сейчас повторять обвинение "академического" рисунка в пассивности.

Впрочем, в том, что будет изложено ниже, не следует видеть ни защиты учебного "академического" рисунка для педагогического процесса, ни тем более отрицания художественных задач, выходящих за рамки такого рисунка. Ведь если активен и своеобразен процесс изображения в учебном рисунке с натуры, то тем более он своеобразен и активен в создании художественного рисунка. Если велики роль и особенность восприятия изображения в процессе создания "академического" рисунка, то каковы же они в творческом процессе? Разумеется, я не думаю, что творчество художника представляет собой столь же ясно расчлененный и регламентированный процесс, как процесс создания учебного рисунка. Эта расчлененность и регламентация задач - следствие педагогических требований.

 

* * *

 

Восстановим процесс создания учебного натурного рисунка, опираясь отчасти на методические указания П.П. Чистякова и соблюдая принятую в его время последовательность изображения, зафиксированную также и в листах разной степени законченности.

Итак, первая задача. Речь пойдет об учебном рисунке живой модели - фигуры человека. По существовавшему правилу рисунок начинается в определении осей фигуры относительно вертикального и горизонтального направлений. В чем смысл этой задачи? Необходимость такого определения, казалось бы, естественна для всякого рисунка и вытекает из природы модели. Но история сохранила много рисунков, где фигуры или их части размещались на листе беспорядочно. Художник делал иногда новый рисунок на свободном месте листа или даже - поверх другого рисунка. Таковы, например, известные листы Микеланджело.

Первая задача учебного рисунка живой модели вытекает не только из природы модели, но также и из формы листа, приготовленного для рисунка, и из отношения рисующего к этому листу.

Лист, лежащий перед рисующим, ограничен вертикалями и горизонталями. Рисующий видит модель, но видит и лист. Нет никакого сомнения в том, что пусть, не отдавая себе в этом отчета, он видит лист как пространство для размещения фигуры. А на листе, благодаря его краям, пространство уже построено. Края листа - это ось прямоугольной координатной системы. Больше того, пространство листа воспринимается рисующим как неоднородное в смысле чувства верха и низа. Вертикаль и горизонталь листа, с которыми он сравнивает ось фигуры, воспринимаются как носители гравитационного взаимодействия тяжести и опоры. Такое восприятие листа, конечно, результат изобразительного опыта рисующего. Но нельзя себе представить ни одного целесообразного шага в дальнейшей работе над учебным рисунком без скрытого присутствия этого опыта в восприятии листа. Именно такое восприятие листа, как координатно и гравитационно построенного пространства для размещения фигуры, определяет и первый вопрос, обращенный к модели. Отыскивая на модели вертикаль (основную гравитационную ось) и горизонталь, рисующий соотносит с моделью координатный строй своего листа. Гравитационную ось он изображает прямой, параллельной вертикальному краю листа, и относительно вертикали (соответственно горизонтали) находит наклоны осей фигуры (чтобы она стояла или падала, или стояла неустойчиво, опираясь также рукой, и т.п.). В свое время такое восприятие листа назвали бы антиципацией будущего рисунка. Теперь мы скажем, что особая природа восприятия рисунка (многое по немногим данным, полное по неполному составу данных) - фундаментальный факт, с которым мы встречаемся и по отношению к продвинутому и по отношению к завершенному рисунку, исключающему антиципацию.

Очевидно, с самого первого шага восприятие модели взаимодействует с восприятием рисунка (в данном случае подготовленного листа). Причем восприятие рисунка в силу своей особой природы, опираясь в начале работы на минимум данных, подсказывает задачи, которые следует решать, обращаясь к модели.

Перед нами активный аналитический процесс, первый, элементарный, но несомненно уже композиционный ход, размещение предмета в пространстве по двум измерениям и с точки зрения тяжести. Но на рисунке еще почти ничего нет.

Вторая задача. Представим себе, что у рисующего нет активной задачи в передаче предметного пространства (комнаты, угла мастерской) и он должен по существовавшему правилу лишь уместить фигуру на листе так, чтобы масштаб ее был наибольшим из возможных. Для этого он намечает основные конструктивные части, их направления и основные величины (голова, ступня, торс, рука, кисть руки и т.д.). Прежде всего он наносит верхнюю отметку для головы и нижнюю отметку - границу опорной ступни. То, что воспринимается теперь на рисунке, - уже не только пространство для размещения фигуры. Над верхней отметкой мы чувствуем проницаемое пространство ("воздух"), а ниже ступни и рядом с ней - пол (подиум), хотя пол, конечно, еще не нарисован ни общим тоном, ни лежащей на нем тенью от фигуры, ни иначе. Лист, таким образом, воспринимается теперь неоднородно и в смысле общей предметной структуры пространства. Очень важно найти расстояние от нижней отметки ступни до нижнего края листа (протяжение пола перед фигурой). В зависимости от величины этого расстояния фигура - даже и в такой первоначальной разметке - читается на листе расположенной дальше или ближе: фигура получает на рисунке точное место в третьем измерении. Несомненно, рисующий и саму модель воспринимает теперь в свете этой задачи. Нижний край листа мысленно отмечается на полу перед моделью как основание картинной плоскости. Рисующий считывает теперь модель от картинной плоскости в глубину, чувствуя пространство до модели, до ее выступающих и отступающих частей. Восприятие рисунка все время ставит новые задачи перед восприятием предмета для рисунка. Новая задача может определяться не антиципацией образа на листе, опирающейся на прошлый изобразительный опыт и на восприятие первоначальной схематической разметки, а восприятием уже сделанного. Предположим, что рисующий заметил ошибку. Например, при данном положении нижней отметки (ступни) на листе происходит выпадение вытянутой вперед руки из картинной плоскости. Рисунок заставляет снова обратиться к модели. Намечая положение ступни выше по листу, рисующий видит теперь фигуру, расположенную глубже, а пространство вокруг нее - менее зажатым. На рисунке еще нет почти ничего конкретного, однако решена еще одна часть элементарной композиционной задачи - определено положение фигуры в трехмерном пространстве изображения.

Третья задача. Чаще всего вместе со второй решается и третья задача - определение основных пропорций. Она требует особого восприятия модели и особого восприятия рисунка. После первой разметки пропорций на листе все начинает читаться масштабно. Масштабно воспринимается и модель. Если рисующий неспособен видеть части модели масштабно (в масштабе рисунка, заданном первоначальной разметкой), он неизбежно запутается, будет обречен на бесконечное "увязывание". Заметив на рисунке масштабную неувязку, опытный рисовальщик обращается к модели с вопросом "почему?", все время организуя восприятие предмета по сигналам от восприятия рисунка.

Теперь на листе появилось что-то близкое к конкретному изображению. Антиципация рисунка становится ограниченной. Восприятие рисунка, оценка его убедительности, "читаемости", а не только внешнего соответствия натуре отдельных частей начинает играть все более и более значительную роль и, часто выделяя находки и желаемое, нарушает привычную последовательность решения задач.

Четвертая задача. Чем дальше развертывается процесс изображения, тем сложнее и своеобразнее становится восприятие рисунка, тем значительнее его роль в процессе рисования. Уже при определении пропорций неизбежно возникает новая пространственная тема. Мы видим элементы реальной формы, погруженными в пространство, уходящими вглубь, выступающими. Они или развернуты параллельно картинной плоскости, или перспективно сокращены, сохраняя, однако, в пространстве действительные размеры. Если говорить о модели, такое восприятие элементов ее формы и формы в целом обеспечивается работой обычных механизмов восприятия пространства (бинокулярный параллакс плюс необходимая для его эффекта конвергенция глаз, подвижность головы и глаза, переменное аккомодационное усилие). Но та же задача единства предмета и пространства должна быть решена и на рисунке, где работа указанных механизмов не только не оказывает помощи, но противодействует, так как прежде всего мы видим плоскость листа и притом - плоскость относительно малого размера. Самый иллюзорный рисунок не способен заставить человека почувствовать себя птицей, клюющей нарисованный виноград. Лист рисунка существует среди других вещей, и восприятие в нем изображенных вещей и пространства всегда остается "особым" процессом, опирающимся по сравнению с действительностью на неполный состав стимулов. Даже первая разметка воспринимается на рисунке масштабно, имея в виду действительные величины, и сокращенно (считая по плоскости изображения), имея в виду перспективное сокращение.

По словам Чистякова, предмет должен быть изображен таким, каков он "на самом доле", и таким, как он "кажется глазу нашему" (то есть в перспективе). Именно в восприятии рисунка, используя прошлый изобразительный опыт, мы ищем систему стимулов на плоскости, достаточную для реализации этого единства, и в случае удачи получаем реальную форму и пространственное ее развитие, в случае же неудачи - или неполноценность пространства, или искажение формы - повод для новых вопросов к модели. Каркас формы, обычный на академическом рисунке времени Чистякова, убедителен вследствие реализации синтеза действительной формы (понятой масштабно), перспективных изменений и причины этих изменений - пространства. Известно, что тонкость такого синтетического восприятия рисунка и модели для рисунка заставляет исправлять перспективные (проекционные) явления, чтобы достигнуть большей убедительности, чем это достигается при механическом, перспективном построении по правилам центральной перспективы.

Теперь пространство строится формой предмета, образующегося вокруг него. Строго связанная пространственная форма на листе - это уже своего рода композиция, хотя, разумеется, собственно композиционные задачи значительно глубже и сложнее.

Пятая задача. Вероятно, уже в разметке пропорций и построении пространственного каркаса формы глаз воспринимает и собственно конструктивные анатомические и динамические связи (напряжения) частей тела. Иногда поиск этих связей выделяется в самостоятельную задачу. Достаточно напомнить известный лист Микеланджело с рисунком анатомии плеча. О чем спрашивал здесь художник природу? Зачем хотел он увидеть скрытый сустав в облекающей его связке мышц? Он хотел добиться чувства ясного сочленения и напряжения на рисунке, где конструкция скрыта внешним покровом. Конечно, он искал, говоря словами А. Гильдебранда, "форму воздействия". Требование поиска такой формы было вызвано восприятием рисунка. Рисунок чем-то не удовлетворял его, и по требованию рисунка в зрительном акте, направленном на модель, нужная форма выделялась, а у Микеланджело часто и преувеличивалась.

Шестая задача. П.П. Чистяков считал нанесение светотени процессом, неотделимым от определения каркаса формы. Сначала, как показывают учебные рисунки, "тушевка" наносилась легко в самом ограниченном диапазоне светлот. И здесь поучительно непрерывное воздействие восприятия предмета и рисунка. Конечно, форма предмета подчеркивается выразительным распределением света и тени (опять "форма воздействия" - расчет на восприятие рисунка). Известны даже зрительные обманы, основанные на свойстве светотени "внушать" форму. Современная скульптура часто пользуется вогнутостями, которые при определенном освещении производят впечатление выпуклостей. В психологии известны эксперименты с так называемой "внушенной тенью". В природе моделирующая тень на предмете, обычно окрашенном неоднородно (в том числе и по светлоте окраски), объединяется с окраской в единый эффект (что, конечно, фиксирует и фотопленка, чаще всего смазывая лепку формы). На учебном рисунке распределение светлот должно прежде всего определить форму. Рисующий обязан отделить в восприятии модели освещенность элемента формы от светлоты его окраски. Недаром Чистяков говорил о трудности в определении светотени на цветной коже. Темные и светлые пятна на нашем рисунке должны читаться только как определители формы, подчеркивая объемное действие каркаса формы. К тому же они решаются обычно в ином диапазоне светлот, чем реальные освещенности на предмете, они смягчают и сильные рефлексы и сильные света и тени, "съедающие" форму. "Алгоритм" академического рисунка заставляет видеть и в предмете лишь светлоты, годные для прочности трехмерной формы на рисунке, видеть их вместе с формой, то есть видеть лишь те, которые на рисунке создают эффект формы.

Однако мы знаем рисунки, передающие градации освещенности и характерную светлоту предметной окраски, рисунки, вызывающие даже ощущения хроматических различий цвета. В таких рисунках процесс рисования должен строиться иначе, видеть на рисунке и в предмете надо гораздо больше (хотя арсенал средств остается неизменным: черное, серое, белое, линия, пятно).

Мы видим в предмете то, чего требуют характер и правила рисунка. Нарушение на рисунке формы или недостаточно ясная лепка заставляет нас исправлять светотень, сохраняя каркас, или исправлять каркас формы, сохраняя нанесенную светотень (сжимать контур).

Седьмая задача. Учебный рисунок с натуры часто характеризуют как рисунок "для неподвижного глаза", рисунок с фиксированной точки зрения ("фотоглаз"!), в то время как активное восприятие предмета предполагает подвижность точки зрения. Но, строго говоря, восприятие неподвижным глазом возможно только посредством коллиматорного устройства. Изменение же точки зрения при рисовании живой натуры неизбежно, так как модель не может длительное время сохранять полную неподвижность и точно восстанавливать прежнюю позу. Фигура все время является в несколько иных поворотах. Чистяков говорил в связи с этим о необходимости "вязать форму живой модели в себе самой", то есть все время думать о цельности рисунка, исходя из зрительной оценки цельности, "связности" формы на рисунке. Значение восприятия рисунка на этой, заключительной стадии процесса едва ли нуждается в подтверждении. Рисующий обращается теперь к модели лишь с эпизодическими вопросами, так как завершается реальность, созданная на листе.

Вышеизложенное - лишь схема, не полная модель процесса. Но и схема достаточно наглядна, чтобы выделить следующие положения.

Во-первых, тезис о существовании рисунка "для пассивного глаза" (сделанного пассивным глазом. - Н.В.), чисто оптического, физического, чисто рецептивного подхода, сходного с фотопроцессом и т.п., противоречит реальной природе процесса изображения даже в наименее творческой его форме (то есть без открытой постановки художественных задач). Старые психологические теории, которые должны были подкрепить позицию сторонников противопоставления "рецептивного" и "продуктивного" изображения, оказываются не реальной опорой, а, скорее, ширмой для древней эстетической антитезы: "концепция" или "подражание". Подмена эстетической антитезы психологической не приносит успеха. Процесс изображения не подскажет решения в пользу той или другой эстетической позиции. Вопрос о том, где есть "концепция", а где - "подражание", можно решить только на основе эстетической оценки результата. И осуждение импрессионизма в приведенных выше формулах было только борьбой нового направления со старым, несправедливостью, свойственной такой борьбе.

На самом деле, импрессионист, положивший на холст первый мазок, твердо держит в уме будущий образ (который в пылу полемики был назван "впечатление"). Тусклый и одинокий мазок на белом поле холста (он темнее холста!) импрессионист видит как начало развития симфонии света. Нет ничего более далекого от стихии света, чем плоский холст и тусклые, не светящиеся, пятна пигментов. Но художник хочет воплотить концепцию природы как радостного праздника света (для человека, может быть, даже именно для горожанина!). Меньше всего он "списывает с натуры", ибо в натуре симфония света меняется ежеминутно. Его работа - это сначала сплошная антиципация образа, затем развитие и завершение концепции, опирающееся на восприятие сделанного.

С поразительной близорукостью импрессионисту ставят в вину пассивную фиксацию первого впечатления, то есть изменчивого явления, в то время как именно изменчивость явления заставляет принять ясное, твердое решение и удерживать первое, яркое впечатление в течение всего процесса работы. Именно изменчивость явления предполагает сложнейшую задачу интерполяции новых восприятий для продолжения работы, предполагает мощную память и активнейшее отношение к возникающему на холсте образу. Аберрация по отношению к импрессионизму - отчасти результат отсутствия научного интереса к конкретному творческому процессу.

Об относительной пассивности в работе над рисунком (этюдом) можно говорить, пожалуй, только в случае беспорядочного процесса у начинающего дилетанта и у ремесленника, повторяющего заученные приемы. И тот и другой страдают слепотой по отношению к тому, что предвидится и происходит на бумаге, и потому не умеют задавать природе ясных вопросов. Но и слепота ремесленника не идет ни в какое сравнение с абсолютной слепотой фотопроцесса по отношению к результату.

Во-вторых, важнейшая роль в процессе изображения принадлежит восприятию намечающегося, возникающего и, наконец, готового к завершению рисунка. Здесь - и проверка сделанного и направление дальнейшей работы. Если даже для изображения с натуры так важно все время видеть рисунок, то насколько важнее это в сложном процессе работы но воображению, когда натура используется лишь как вспомогательное средство. Вспомните, что говорил Суриков по поводу эскизов к картине "Боярыня Морозова" и в связи с самой картиной: "Не идут сани!" Он не раз менял положение саней на эскизах. Затем он подшил снизу холст, чтобы сани "шли". К сожалению, высказывания художников об этой стороне процесса единичны. Проблема восприятия возникающего продукта, то есть проблема информации для "обратных связей" - употребим снова этот термин, - связей направляющих и исправляющих процесс, выпала из принятой схемы творчества.

В-третьих, восприятие рисунка отличается по своей природе от восприятия предмета. Это восприятие на базе ограниченной афферентации, это восприятие полноты жизненного содержания по неполной системе сигналов.

В психологии давно изучен факт разного восприятия фигуры и фона в рисунках, допускающих реципрокное чтение.

Одна и та же по цвету бумага вокруг фигуры кажется проницаемой, пространственной, внутри ее контура непроницаемой, плотной, предметной, в зависимости от того, что мы видим как фигуру и что - как фон. Психология накапливает теперь экспериментальные факты восприятия хроматических оттенков цвета на ахроматическом рисунке. На хороших линейных рисунках Серова, Энгра, Пикассо изображенное тело кажется более теплым по тону, чем окружающее пространство, хотя объективно перед нами нетронутый тушевкой одинаковый тон бумаги.

В-четвертых, возникшая в последние годы проблема моделирования процесса творчества художника сталкивается со специфическими трудностями. Машинное изображение - реальный факт - это фотография, оттиски пространственной копировальной машины, работающей по фотоэлементу, и т. д. Но "машинное" изображение лишь внешне похоже на рисунок и скульптуру.

Для моделирования процесса художественного изображения надо иметь в виду особую роль и значение информации - от возникающего изображения (обратные связи). Если отбор информации о предмете изображения происходит по некоторому правилу, то сигналы от изображения должны быть организованы так, чтобы иметь возможность не только вовремя включить один из заложенных алгоритмов, но и создавать новое правило - новую последовательность, поставить новые задачи. Может быть, это и не принципиальное препятствие, ибо самоулучшающиеся устройства, самостоятельно находящие лучшие решения, в более простых случаях уже существуют. Но может быть, самоулучшающемуся творческому процессу следует приписать алгоритмическую неразрешимость.

Затем надо иметь в виду, что поступление информации должно обеспечиваться воспринимающими машинами, воспринимающими те или иные отношения, величины и т.п. по отдельным задачам. Правда, и воспринимающие устройства в элементарном виде уже существуют. Но они моделируют только узнавание предмета, например буквы в разных их начертаниях. Чтение рисунка бесконечно сложнее. Еще сложнее создание машинного устройства для восприятия качеств и дефектов рисунка. А ведь в таком восприятии - основной регулятор процесса. Для того чтобы видеть на рисунке трехмерную форму, ее убедительность, прочность ее построения, для того чтобы видеть, создан ли на черно-белом рисунке цвет предмета или нет, читаем ли мы освещенность, свет или только форму, нужно было бы заложить в машину всю систему связей, образовавшихся в высших отделах головного мозга данного человека в процессе его жизни и, в частности, в процессе его творческой деятельности, все законы работы этих связей. Машина должна была бы развиваться подобно человеку от рисунка к рисунку. Трудности умножаются, если присоединить эмоциональный и эстетический опыт человека. Как ответить на вопросы: почему это хорошо? Почему здесь трагический конфликт формы или красок? Почему это прекрасно, гармонично, а это только правильно?

В произведениях искусства эстетические категории - реальность. Однако в чем конкретный фундамент эстетических оценок, пока не очень ясно. И все же именно они определяют окончательный отбор "форм воздействия". Они регулируют и улучшают процесс, они подсказывают, что процесс окончен. Возможно, что это тоже не непреодолимая трудность, ибо живая наука не знает догматически поставленных границ. Но даже анализ процесса создания учебного рисунка предостерегает от скороспелого моделирования. Современные "кибернетические" опыты "художественного творчества", в частности, страдают полным отсутствием учета обратных связей, напоминая в этом отношении фотопроцесс.

Кажется, что и вопрос об алгоритмической разрешимости процесса творчества должен оставаться открытым, ибо и отрицательное решение проблемы в истинной науке, свободной от догмы и моды, - тоже решение.

Общая проблема "обратных связей"

При изучении творческого процесса до сих пор использовали главным образом воспоминания писателей, художников, ученых, изобретателей. Это были либо дневники и разрозненные записи, письма, куски литературных произведений, либо рассказы о беседах с писателями, художниками. Не так давно советские психологи пробовали создавать описания творческого процесса по данным специальных бесед, где инициатива принадлежала психологу. Это несколько расширило круг вопросов, которые обсуждались до сих пор как главные вопросы психологии творчества, расширило в сторону индивидуальных особенностей процесса. И все же общая картина процесса изменилась несущественно.

Процесс творчества делят на три или четыре стадии: задумывание (возникновение замысла), подготовительная стадия (вынашивание замысла, накопление материала), стадия открытия (в связи с ней рассматривается проблема вдохновения) и стадия проверки готового результата.

Психологов больше всего занимал вопрос о том, как возникает "открытие", этот переход из сферы "подсознательного" (лучше сказать, неосознанной части процесса) в сферу осознанного, как подготовляется и чем объяснить это "внезапное" озарение. Проверку относили только к готовому результату.

Но содержится ли в этой схеме вывод из действительных фактов творческого процесса или отражение теоретических представлений, столетиями упорно державшихся в творческой среде и укрепившихся благодаря распространению бергсоновско-фрейдистских теорий?

Мне кажется, последнее - вернее, и вот почему.

Целенаправленное систематическое самонаблюдение, вообще говоря, несовместимо с процессом творчества (это - взаимоисключающие направленности, они предполагают физиологически несовместимые очаги возбуждения, мы говорим "человек поглощен творчеством"). Главный источник рассказов о творческом процессе поэтому - память, сохраняющая, однако, лишь самое яркое - и то случайно, частично, - некоторые минуты удачи, острые повороты процесса.

Рассказ о пережитом в качестве источника фактов есть новая и слишком литературная деятельность. Словесное оформление всегда использует привычные понятия, а в нашем случае - неопределенные понятия (представления) и существенным образом преломляет факты. Даже словесный отчет испытуемого в психологическом эксперименте - часто сплав действительно пережитого и воспринятой теории. Очищение фактов от наслоений, связанных с процессом их выражения и их восполнения, необходимое вследствие особенностей памяти, - задача исключительной сложности.

Полученная таким путем характеристика творческого процесса представляет его в целом как внутренний путь, чаще всего - путь неосознанный, в конце которого результат возникает более или менее внезапно. Реализация мысленного образа в слове, музыкальной фразе, очертании, композиционном ходе не занимает внимания исследователей. О ней редко говорят воспоминания и письма. И начинает казаться, что реализация образа в материале данного искусства - это, в общем, гладкий, не творческий, а ремесленный процесс, что в нем нет ни открытий, ни трудностей.

Совершенно иная мысль приходит в голову исследователю, когда он видит рукописи Пушкина, Толстого, испрещенные многоэтажными исправлениями (перечеркнутые слова, фразы, строки, набело переписанные и вновь испещренные поправками куски). Можно легко предположить, сколько ненаписанных вариантов, проговариваний текста во внутренней речи или в бормотании, декламировании должно было бы пополнить эти материальные следы творческого процесса, если бы мы хотели видеть полную картину его.

Та же мысль приходит в голову, когда рассматриваешь эскизы и этюды Сурикова, потрясающее наследие "подготовительных", но уже совершенных холстов гениального А. Иванова, путаные сети линий на незаконченных рисунках Врубеля.

Несомненно, и на самих холстах Врубеля, Иванова, Сурикова скрыто множество исправлений, счисток, перекрытий. Общий эффект картины нельзя разложить на отдельные звенья процесса, скрытые в толще красочного слоя или вовсе уничтоженные художником. Впрочем, специальное просвечивание красочного слоя картины часто говорит о крупных исправлениях, переделках (на старых картинах исправления иногда проступают наружу). Конечно, есть художники и писатели, создающие вещь "одним дыханием". Но и это единое дыхание длится не минуты, а часы, и в миниатюре воспроизводит работу великих тружеников искусства (удары кисти и контрудары, нервные счистки и поверх счисток с блеском положенные новые мазки). Поучительно было смотреть фильм о работе П. Пикассо. Рождение образа вовсе не напоминало простое запечатление на бумаге уже сложившегося в уме образа. Если бы можно было шире использовать этот методический прием!

Где же выход из противоречия между бытующими представлениями о творческом процессе и материальными свидетельствами этого процесса?

Во-первых, акцент в анализе творчества должен быть перенесен с подготовительной стадии, когда будто бы зреет образ, погруженный в общий жизненный опыт человека (растет неосознанно, не регулируется волей художника), в стадию реализации в особых средствах данного вида искусства.

Во-вторых, стадия реализации представляет собой длительный процесс, в котором часы, минуты вдохновенной работы, - чаще сохраняемые памятью художника, - сменяются периодами трезвого пересмотра созданного, чередуются с часами и мгновениями взыскательной оценки, относящейся не только к целому, но и к частям, к отдельным словам, синтаксису, фигурам речи, краскам, очертаниям, всем "формам воздействия".

В-третьих, в этом процессе самую существенную роль играет "прочтение" уже сделанного куска, стиха, строфы, соответственно - этюда к картине, первой раскладке цвета, первых линий композиции и даже - силы данного цветового акцента, меры лепки данного элемента формы.

Почему Пушкин зачеркнул одно слово и заменил его другим? Потому, что второе ярче лепило образ или звучало музыкальнее, подчеркивало ритмом фигуру противопоставления и т.п. А для этого он, вероятно, должен был прочесть стих, строфу, а может быть, - и все уже написанные строфы.

Почему А. Иванов писал этюды к своей знаменитой картине не только с живых моделей, но и с соответствующих античных гипсов? Не потому ли, что, перенося этюд живой модели на картину, он сверял обобщенность и ясность формы с идеальной ясностью ее на этюде, сделанном с античного гипса?

Выбирая, сверяя картину и этюды, он нигде прямо не имел дела с воспринимаемой действительностью. Воображаемый мир - эта смутная даль - возникал и уяснялся на холсте, и естественно было достраивать здание картины, исходя из ее достоинств и недостатков, и лишь для этого привлекать прошлый творческий опыт и новый материал.

Объективные свидетельства творческого процесса говорят о постоянном участии в нем восприятия возникающего произведения. Они говорят о значении для успеха процесса оценки сделанного на всех его этапах. Оценивается соответствие нового куска не только общему, как правило, вначале неясному замыслу и воспринимаемой жизни, но также другим частям произведения по его внутренней логике. Произведение напоминает развивающийся организм. В ответ на сделанное все время поступает информация о сделанном, чтобы вызвать к жизни новые задачи.

Мы назвали выше проблему прочтения собственного произведения и продвижения его на основании такого прочтения проблемой обратных связей. Не замечая роли обратных связей, философы, психологи и искусствоведы представляли творческий процесс слишком гладким, не видели важнейшей и постоянной реальной драмы творчества.

 

* * *

 

Существуют другие аспекты той же проблемы. Вспомним основную особенность восприятия рисунка. Рисунок содержит неполный и измененный состав сигналов по сравнению с изображаемой на нем действительностью. Но то, что мы должны увидеть на рисунке, не только полно передает действительность, но передает ее глубже и ярче, чем прямое восприятие, потому что художник отбирал формы и на своем языке толковал явления. Однако все ли видят рисунок так, как видит его художник?

Неопытному рисовальщику кажется, что он создал убедительную форму, ему трудно увидеть свой рисунок, отрешившись от восприятия модели, увидеть его как бы со стороны, глазами зрителя. А зритель сразу чувствует, что лепка неясная, ракурсы читаются как ошибки в пропорциях (короткая рука и т.п.). Трудность прочтения собственного произведения еще значительнее в творческом процессе.

Произведение художника должно стать открытием для других, оно несет зрителю (читателю) новый образ и часто использует для этого существенно новый "язык". Но если это действительно открытие, оно должно быть хотя бы в потенции доступно зрителю (читателю), должно "открывать" ему мир. Как же видит художник свое произведение? Какова мера совпадения опыта художника и зрительского (читательского) опыта? Где граница между субъективизмом и истинным новаторством, которое непременно пробьет себе дорогу в народ? Почему новаторское творчество Пушкина так скоро стало народным? И где, с другой стороны, граница между широкой понятностью и трафаретностью произведения, лежащей за пределами творчества и искусства? Этот аспект проблемы связан с воспитанием зрителя и с ответственностью художника в его новаторских решениях.

Наконец, психология творчества рассматривалась до сих пор как часть общей психологии, то есть психологии человека, отвлекающейся от индивидуальных особенностей и социальных связей, в то время как психология творчества невозможна без изучения конкретных деятельностей человека и связей его с обществом.

Восприятие зрителя и критика, как бы ни старался художник замкнуться в башне из слоновой кости, сильнейшим образом влияют на творческий процесс. И похвала и резкая критика могут как обогатить творческий процесс, так и искривить и оборвать его. Мнение критика и зрителя неизбежно изменяет взгляд художника на собственное произведение, заставляет его, подчиняясь в какой-то мере критике, ставить новые задачи или, протестуя против нее, острее решать прежние.

Волков Н. Процесс изобразительного творчества и проблема "обратных связей".
Содружество наук и тайны творчества. Сборник. - М., 1968, с.234-254.

9 источников вдохновения для фотографов

Даже если вы от всего устали и думаете, что вдохновение покинуло вас навсегда, не прекращайте его искать. Есть много способов найти новые идеи – от соцсетей до участия в фотоконкурсах.

Зажечь воображение может маленькая искорка. Откройте для себя разные способы поиска вдохновения в фотографии. И дайте нам знать, какие из них самые полезные.

 

Источники вдохновения для фотографов

1. Соцсети

Начнем с самого простого способа получить вдохновение – используйте социальные сети для продуктивной прокрастинации. Особенно Pinterest и Instagram – платформы с сотнями миллионов изображений. От графики и иллюстраций до фото и видео – вы можете найти идеи для любого проекта.

Первые шаги для поиска вдохновения в соцсетях:

  1. Подпишитесь на топовых фотографов в Instagram;
  2. Посмотрите хештеги для фотографов;
  3. Сохраняйте посты из Instagram в тематических папках;
  4. Создавайте отдельные мудборды на Pinterest.

Соцсети могут быть полезными и в творческих целях. Используйте такие визуальные платформы, как Instagram, Pinterest, и группы в Facebook, чтобы открывать для себя новых авторов, идеи и профили. Они будут давать постоянный поток идей.

2. Кино и сериалы

Смотреть фильмы и сериалы – замечательное занятие, ведь вы одновременно отдыхаете и получаете вдохновение. Попробуйте записывать свои впечатления во время просмотра, идеи могут приходить неожиданно. Но чтобы фильмы и сериалы приносили пользу, а не просто развлекали, стоит быть разборчивым в своем выборе.

Иногда сложно найти что-то стоящее, чтобы посмотреть. Мы представляем свои подборки за последние несколько лет:

3. Работы других фотографов

Пабло Пикассо сказал: “Хорошие художники копируют. Великие художники крадут”. Работы других фотографов должны быть источником вдохновения для вас. Обращайте внимание на их фирменный стиль и пытайтесь интерпретировать по-своему. Найдите авторов, работающих в вашем направлении, и создайте новый подход на основе их творчества.

4. Фотоколлекции

Если вы работаете над портфолио стоковой фотографии и хотите стать автором бестселлеров, посмотрите наш топ-10 тем для стоковой фотографии и соответствующие фотоколлекции. Изображения из них вдохновят вас на создание красивых и востребованных снимков.

5. Фотоконкурсы

Хорошим источником вдохновения могут стать конкурсы фотографии. Найдите на сайте фотоконкурса работы финалистов и победителей и проанализируйте, почему выбрали именно эти снимки. Или же сами возьмите участие в конкурсе. Дух соревнования и сжатые сроки обязательно стимулируют ваш креативный потенциал.

6. Окружающая среда

Мы привыкли думать, что вдохновение – позитивное понятие. Но многие великие идеи возникли как решение проблем и сложностей. Если вы интересуетесь защитой окружающей среды, можете вдохновиться на создание социально значимого фотопроекта. Многие известные фотографы отражают в своих работах тему экологии и актуальные проблемы современного мира. Чтобы найти идеи, достаточно просто интересоваться вещами, в которые вы верите и хотите отстаивать.

7. Книги

Фотограф может найти вдохновение буквально везде. Но мало что может заменить радость от просмотра снимков в печати. Они создают целые истории в воображении. В итоге рождаются ваши собственные идеи. Ведь ни одна киносцена не может быть такой яркой, как те, что вы представляете.

Снимаете ли вы портреты, пейзажи или fine art, не забывайте о литературе. Она тренирует ваше воображение и развивает эмпатию – важный навык любого фотографа.

8. Журналы о фотографии

Один из многообещающих фотографов Depositphotos Анна Грибцова говорит, что кадры, ракурсы и свет из фильмов автоматически вспоминаются во время съемки. То же самое и с журналами. Каждое изображение, которое вы видите в изданиях, – важная часть визуального опыта любого фотографа. Подпишитесь на Foam, Subjectively Objective, Archive Collective или любой другой журнал, который вам нравится, и время от времени просматривайте их для вдохновения.

9. Повседневность

Как бы банально это ни звучало, но много идей для фотографий можно найти в повседневной жизни. Будь то ранние утренние ритуалы или напряженный рабочий день, будничные дела тоже могут вдохновлять. Чтобы заметить вещи, которые сделают съемку особенной, тренируйте осознанность. Остановитесь. Вместо того чтобы гореть на работе, обращайте внимание на свои мысли и чувства, а также на других людей, говорите с ними и задавайте вопросы. Вы даже не представляете, как много вдохновения можете получить, когда живете моментом.

Да, вы уже поняли: вдохновение везде. В книгах, природе, фильмах, даже в соцсетях и сериалах. Отличная привычка для фотографа – отмечать то, что вам понравилось или не понравилось. Сохраняя заметки, вы увидите, как профессионально растете со временем.

Если эта статья была полезной, вас также могут заинтересовать:

Статьи по Теме

Дайджест блога Depositphotos

Присоединяйтесь к сообществу из 160,000 читателей, которые раз в месяц
получают подборку креативных фото, полезных советов и интересных историй.

Дэвид Боуи как художник: Алистер Кроули, магия, оккультизм, каббала и карты таро

  • Александр Кан
  • обозреватель по вопросам культуры

Автор фото, Geoff MacCormack

Подпись к фото,

Боуи в 1975 году, когда создавалась "Магическая серия"

В ноябре 1975 года Дэвид Боуи, выступая в необычной для себя роли - не музыканта, а художника - создал пять шелкографий, вдохновением для которых стало его увлечение идеями, учением и практикой английского мистика, мага и оккультиста первой половины XX века Алистера Кроули.

Эти работы Боуи объединил названием "Магическая серия - Любовники, Смерть, Звезда, Луна, Земля". Несмотря на всю невероятную популярность и притягательность артиста, огромный интерес ко всем разнообразным аспектам его творчества, шелкографическая серия Боуи до сих пор остается малоизвестной даже самым преданным его поклонникам.

Выставлялись они лишь однажды - на проходившей уже свыше двадцати лет назад в Лондоне выставке "Дэвид Боуи: новое афро-язычество 1975-1995".

Сегодня эти работы представлены на обозрение в лондонской галерее Masterpiece Art. Выставка, ссылаясь на знаменитый образ Майора Тома, впервые придуманный Боуи еще в 1969 году в его самом первом хите Space Oddity и прошедший с ним через все творчество вплоть до последнего, вышедшего буквально накануне смерти альбома Blackstar, называется From Major Tom to Major Arcana - "От Майора Тома до Майора Аркана".

Arcana - тайна, загадка, непознаваемое - термин, применяемый в используемых со времен средневековья для гадания на магических картах таро.

Кроули

Автор фото, Keystone

Подпись к фото,

Мистик-оккультист Алистер Кроули оказал огромное влияние не только на Боуи, но и на многих других рок-музыкантов

Кроули с присущей ему тягой к мистике и оккультизму настолько увлекался картами таро, что в 1944 году под псевдонимом "Мастер Терион" опубликовал "Книгу Тота". Таро Тота - созданная Кроули вместе с художницей Фридой Харрис оригинальная колода так называемых "карт Тота". Тот - древнеегипетский бог мудрости, знаний, Луны, покровитель библиотек, ученых, чиновников, государственного и мирового порядка.

Тогда же был отпечатан и первый пробный тираж (200 экземпляров) колоды. Из-за разногласий вокруг авторских прав эта работа Кроули оставалась практически неизвестной вплоть до 1969 года, когда она вновь была переиздана.

Публикация совпала со всплеском нового интереса к Кроули. Толчок к нему, как и ко многим другим культовым феноменам 60-х, первыми дали "Битлз". После того, как в 1967 году лицо загадочного мистика появилось в толпе знаковых фигур на обложке "Сержанта Пеппера", он стал иконой контркультуры.

Но если для "Битлз", точнее для Леннона, который и предложил включить Кроули на обложку "Сержанта", это было мимолетным увлечением и ограничилось одним-двумя упоминаниями в интервью, то на других рок-музыкантов сатанизм и оккультизм оказали более серьезное влияние.

Одна из главных песен Rolling Stones Sympathy for the Devil (1968) стала переломной в трансформации имиджа группы от просто "плохих парней" к воплощенному дьявольскому началу, апогеем которого стала трагедия на их концерте в Альтамонте в декабре 1969 года.

Эстафету быстро подхватили Black Sabbath, и в самом названии которых, и в тематике песен (особенно дебютного альбома), сатанизм лился из каждого звука, из каждого имиджа. А в 1980 году Оззи Озборн посвятил своему кумиру песню Mr. Crowley.

Однако самыми известными и глубокими приверженцами и последователями Кроули стали Джимми Пейдж, гитарист и идеолог Led Zeppelin, и Дэвид Боуи.

У Пейджа этот интерес трансформировался в увлечение магической символикой, особенно явственной на обложке вышедшего в 1971 году четвертого альбома группы - смысл помещенных на ней знаков до сих пор не разгадан, а сам Пейдж от каких бы то ни было пояснений уклоняется.

Поиск скрытых смыслов

У Боуи же оно вылилось в попытку собственной интерпретации порожденной Кроули визуальной образности его карт Тота.

"В 1970-е годы Боуи увлекся исследованиями оккультизма: поиском скрытых сил и смыслов, попытками выйти за пределы сознания в мир невообразимых богатств и опасностей. Именно этот поиск запредельного и вдохновил его на художественные эксперименты. В них он пытался преодолеть хорошо известные техники и методы, выйти на материалы и средства, которые помогли бы ему преодолеть ограничения и подавления окружающей его повседневной действительности" , - так писал об этом опыте в книге "Человек который продал мир: Дэвид Боуи и 1970-е" биограф музыканта Питер Доггет.

Весной 1975 года, поселившись в Лос-Анджелесе, Боуи тесно сблизился с Пейджем и с еще одним рьяным поклонником Кроули - кинорежиссером Кеннетом Ангером.

Это был один из самых мрачных периодов в жизни Боуи. Музыкально он отражен в записанном той же осенью 1975 года альбоме Station to Station - метафора и стояний Христа на Крестном пути, и каббалистского "Древа жизни". Здесь же появляется и одна из самых мистических, пронизанных фашистскими ассоциациями персон Боуи - Thin White Duke, Изможденный Белый Герцог.

Автор фото, Jorgen Angel

Подпись к фото,

Боуи - Thin White Duke (Изможденный Белый Герцог) во время тура Station To Station. Театр Falkoner в Копенгагене, 29 апреля 1976 г.

"Магическая серия" - визуальное воплощение того поиска, того пути, который Боуи проделывал в то время. Более того, в качестве обложки альбома Station to Station предполагалась поначалу сделанная фотографом Стивом Шапиро фотография Боуи, рисующего мелом на полу каббалистическое Древо Жизни - так как его изображал Кроули.

В 1997 году Боуи заявил, что никогда по-настоящему не верил в учение Кроули, и что самопровозглашенный мистик и мессия на самом деле не кто иной, как шарлатан. Как бы то ни было, Кроули оставил заметный след в творчестве музыканта, а тот факт, что в 1998 году Боуи переиздал "Магическую серию", подтверждает значимость этой работы для него самого спустя почти четверть века после ее создания. Сам он, однако, нигде и никогда - во всяком случае, публично - о смысле и значении для себя "Магической серии" не говорил.

Ну и, наконец, к оккультной символике Боуи вернулся в последнем, ставшим по сути дела его духовном завещанием, альбоме Blackstar. В клипе к песне Lazarus, само название которой символизирует воскрешение из мертвых, Боуи одет в тот же костюм, в котором Стив Шапиро запечатлел его во время воссоздания нарисованного когда-то Кроули Древа Жизни. Следует ли нам это понимать как подтверждение того, что каббала, метафизика и оккультизм занимали Боуи до самого конца его дней?

Магическая серия

Как бы то ни было, но "Магическая серия - Любовники, Смерть, Звезда, Луна, Земля" - не только художественная реакция Боуи на соответствующий образ карт Тота Кроули, но и отражение духовных поисков артиста в один из самых противоречивых, тяжелых и переломных моментов его жизни.

Работы Боуи интересно воспринимать в непосредственном соседстве с вдохновившими их картами из "Книги Тота" Алистера Кроули. Так они представлены в Masterpiece Art Gallery, так же мы предлагаем их и вашему вниманию - Кроули слева, Боуи справа.

Комментарии куратора выставки Алекса Казенса.

"Влюбленные"

Автор фото, The David Bowie Archive

"Влюбленные" Боуи явственно основаны на одноименной карте из "Книги Тота" Кроули. У Боуи две фигуры стоят куда ближе друг к другу, они по сути дела сплетены, но так же, как и у Кроули, они совершенно очевидно принадлежат разным расам. Взрыв желтого в центре картины представляет нависающую над влюбленными фигуру гигантского Мага.

"Смерть"

Автор фото, The David Bowie Archive

"Смерть" Боуи не настолько очевидно заимствована из одноименной карты из "Книги Тота". Яркий эмоциональный колорит с ненавязчивой тонкой зеленью в нижней части выделяет эту работу из других в "Магической серии". Этот зеленый цвет символизирует морское дно и Смерть в виде Осириса - древнеегипетского царя загробного мира с традиционной короной из красных перьев. Зеленый цвет также символ способности Осириса возвращать жизнь, воскрешать из мертвых. Египетские божества пронизывают всю теорию и символику Кроули.

"Звезда"

Автор фото, The David Bowie Archive

"Звезда" интересна тем, что в своей работе Боуи не стал воспроизводить семиконечную звезду из карты Кроули. Символика шестиконечной звезды - Звезды Давида - достаточно очевидна, хотя форма ее здесь неправильная и скорее напоминает гексаграмму - символ разработанного Кроули религиозного учения Телема.

"Луна"

Автор фото, The David Bowie Archive

"Луна" - самая визуально незамысловатая из пяти работ серии. Боуи развернул на 90 градусов горизонтальную Луну Кроули и поместил ее в самый центр. Полумесяц также встречается в изображении Йесоды - девятой из десяти так называемых сфирот, эманаций божественного света в Каббале. Для Боуи он символ подсознания, которое он стремился постичь.

"Земля"

Автор фото, The David Bowie Archive

При создании своей "Книги Тота" Кроули карту "Земля" переименовал в карту "Вселенная", и у него она получилась намного более космичной и универсальной. У Боуи планета Земля видна будто из "Космоса", хотя она парит в окружении облаков и голубого неба (или это вода?). Цветовая палитра "Земли" самая приглушенная. Она напрямую связана с "Луной", работой тоже неяркого , по сравнению с "Влюбленными", "Смертью" и "Звездой" колоритом.

Выставка "Магическая серия - Любовники, Смерть, Звезда, Луна, Земля" проходит в лондонской галерее Masterpiece Art до 7 марта

Светлый маг: художник Влад Урбаханов — о детских воспоминаниях и природе вдохновения 

Его картины напоминают причудливые разноцветные витражи, за которыми спрятан сказочный мир. В этом мире животные умеют говорить, люди растут не по дням, а по часам, бедные сильнее богатых и добро побеждает зло. Магическое погружение в нереальность, которое возникает рядом с работами иркутского художника Владислава Урбаханова, подобно гравитации, только с эффектом отрыва от земной тверди.

Такая сила подвластна лишь по-настоящему одаренным людям, но управлять ей — тяжелый, порой даже непосильный труд. Этот дар требует полной самоотдачи, и далеко не всякий человек способен отказаться от привязанностей земного мира и любимых людей, чтобы поселиться по другую сторону причудливых витражей.//

И опыт, сын ошибок трудных

— Я с детства знал, что буду художником, — говорит Влад.

— С какого примерно возраста — с пяти, семи, десяти лет?

— Наверное, сразу, как только взял в руки кисть. Точную дату определить сложно.

Его отец, с которым у Владислава была очень сильная духовная связь, был художником-оформителем. Сейчас его назвали бы дизайнером. «Он был мне как товарищ, — говорит сын об отце. — По-дружески поддерживал и направлял, прививал чувство вкуса и стиля».

— Как и все мои сверстники, мальчишкой я рисовал танки, пушки, солдатиков, пользуясь профессиональными отцовскими красками и кистями. Я приходил на уроки рисования в школу и с нескрываемым удивлением смотрел, как мои одноклассники пользуются наборами из четырех, шести красок, в то время как я располагал 24 цветами, — вспоминает Влад.

Дома на книжных полках стояли выписанные из ГДР и Чехословакии журналы по дизайну, альбомы, рассказывающие о монгольском искусстве и японской гравюре. Кумирами отца были западные звезды рок-культуры, джаза, фьюжн, альтернативной музыки. Вместе с ним он слушал Дженис Джоплин, King Crimson, Rolling Stones.

Мама Влада преподавала немецкий язык студентам политехнического института и тоже гораздо больше интересовалась зарубежной литературой, нежели исконной бурятской культурой. Влад вспоминает, как на уроках в художественной школе, где он начал учиться в восемь лет, преподаватель читала ученикам мифы Древней Греции.

— Все дети с огромным нетерпением ждали этих уроков. Истории древнегреческих богов будоражили воображение, и я увлеченно рисовал их, забывая о времени, — рассказывает художник.

На лето мальчика отвозили к бабушке. Но и в старой бурятской деревне Шитхулун признаки исконной культуры стерлись под слоем советской символики.

— Это был обычный советский колхоз. Здесь еще оставались старики, которые разговаривали по-бурятски, резали баранов и варили бухлер, но традиций и культуры бурят здесь уже не было, — вспоминает Владислав. — Погружения в материал, который помог бы мне ощутить свои корни, я, по сути, не имел.

Со временем Урбаханов пришел к выводу, что западная культура не может дать ему опору в жизни и направление в творчестве. И тогда он начал соединять пазлы-стереотипы, доставшиеся в наследство от далеких предков и приобретенные в советские годы дедами и отцами, а также полученные на протяжении собственного жизненного пути.

И гений, парадоксов друг 

Но именно этот странный симбиоз Запада и Востока, вошедший в жизнь Влада Урбаханова с раннего детства, парадоксальным образом смоделировал его ни на что не похожий творческий мир.

После окончания художественного училища он поступил в Иркутский политехнический институт, где учился монументально-декоративному искусству. Его учителями были такие мастера, как Сергей Элоян и Виталий Смагин, которые привили ему способность философски мыслить и смотреть вглубь вещей.

После девяти лет учебы он, как и отец, стал дипломированным художником-дизайнером, то есть оформителем. Было начало нулевых — на смену краскам и кисти пришли компьютеры. Киноафиши с портретами популярных актеров, благодаря которым в советские годы выживали многие художники, ушли в прошлое. Зато появилось рыночное ноу-хау — реклама. Как грибы возникли рекламно-издательские конторы.

— За время учебы я устал от материальной зависимости и пошел работать дизайнером в рекламное агентство. Просто даже задумываться не хотел о том, чтобы заниматься искусством, — объясняет Влад.

Десять лет жизни ушло на чистое ремесло — рекламные макеты для газет, журналов и билбордов, иллюстрированные календари. Минимум свободы, максимум зависимости от мнения заказчика.

Когда появлялось свободное время, делал иллюстрации. Как признается сам художник: «Люблю книжки с картинками». Его собственные рисунки напрямую отсылали зрителя к бурятскому эпосу. Даже сказки Андерсена оформлены Урбахановым как этнические. В 2008 году в Доме художника прошла первая выставка его работ.

…А в 2009-м умер отец. И это было очень сильное потрясение, справиться с которым стоило ему больших усилий. Но тогда он еще не знал, что судьба готовит еще более тяжелое испытание.

— Я ушел из рекламного бизнеса в 2011 году, устав делать одно и то же. И начал задавать себе вопросы: кто я, чего хочу, куда дальше двигаться? И я вернулся к живописи, — продолжает Влад. — Был момент, когда я стал писать акварельные пейзажи, в частности иркутские улицы, дома, дворы. Потом это увлечение прошло, и снова вернулся интерес к декоративным сказочным вещам.

Исчезнувшие пейзажи детства

Спустя пять лет после смерти отца в семье художника родились два мальчика — Баир и Ардан. Разница в возрасте у них совсем небольшая: Баир появился на свет раньше и именно поэтому здоров, Ардан — второй из двойняшек при родах получил тяжелую травму шейного позвонка. Как результат — детский церебральный паралич с серьезным нарушением работы опорно-двигательного аппарата. Эта трагедия надолго выбила Владислава из колеи. По его собственному признанию, в таких ситуациях дать эмоционально-психологическую опору люди не могут.

— В атеистический период, еще до брака, сталкиваясь с трудноразрешимой проблемой, бывало, обращался к зеленому змию, — горько шутит Влад. — Сейчас мы с женой обращаемся к буддистской и шаманской традициям, работаем с психологами. Как известно, есть пять стадий эмоциональной реакции на неизбежное: неверие, отрицание, торг, гнев и принятие. Мы уже дошли до принятия…

Из-за болезни Ардана много энергии и времени у Влада уходит на семью. На лечение ребенка, который обездвижен, нужны деньги, поэтому «перебраться» на сказочную сторону витража и творить искусство ради искусства удается лишь урывками.

— Когда все это на меня обрушилось, сложно было работать. Но сейчас вроде взялся… Правда, приходится отвлекаться на заказы. Пока провожу что-то вроде ревизии идей, — поясняет Влад.

Один из проектов, который мечтает осуществить художник, связан с визуализацией детских воспоминаний. Он хочет соединить пейзажи Иркутска, которые остались лишь в памяти, но уже не существуют в реальности, с переосмысленными в бурятской этнической традиции мифами Древней Греции. Уже есть ряд готовых работ — двор, через который маленький Влад ходил в школу; места на улице Халтурина, где расположена художественная школа. Есть Елена Троянская в образе бурятской девушки; богиня Диана, которая вышла на охоту в бескрайнюю степь.

— Я просто представил, как торговцы, вернувшись со своим караваном из заморских стран в родные места, рассказывают сородичам о том, что видели и слышали. А люди, не зная ничего, кроме мест, где родились и выросли, мысленно переносят персонажей рассказа в привычную для них среду, — объясняет Владислав.

Пока идея еще витает в воздухе, и чтобы воплотить ее, нужно потрудиться.

— Большой проект требует большой самоотдачи. Не очень пока получается, — честно признается Владислав.

— Не хватает вдохновения?

— Дело не в нем. У меня был период, когда я вдохновенно рисовал депрессивные картины, просто страшные. Казалось, что выплесну все это на полотно и освобожусь. Но в реальности это не приносило мне облегчения, скорее наоборот, негатив только возрастал. Глядя на работы, понимал, что они никого не сделают счастливее. И я сознательно отказался давать волю этим депрессивным образам.

— То есть, следуя логике писателя Лукьяненко, создавшего «Ночной дозор», вы светлый маг?

— Да, для меня рисовать темное оказалось непродуктивно. Я хочу, чтобы мои картины вдохновляли людей.

Фото Валентина Карпова

Помочь в лечении Ардана Урбаханова можно через фонд «Дети Байкала» https://detibaikala.com/campaign/pechalnyj-ardan/ #ДетиБайкала

Картины Владислава Урбаханова можно преобрести в галерее Dias по адресу . Открытки “Бурятские народные сказки”, иллюстрированные книги – в магазинах сети ” ПродаЛитъ”, “Кукуля” и в “Центре бурятской культуры” (ТЦ “Пассаж”. )

 

Поэзия в живописи. Художник И. Ишангулыев поделился секретами вдохновения | Arzuw NEWS

Картины Заслуженного художника Туркменистана Ишангулы Ишангулыева давно завоевали любовь огромной аудитории почитателей. Его отношение к своему ремеслу и по сей день вызывает негодование многих юных художников, ибо Ишангулы свято верит, что быть художником, это, в первую очередь, призвание, а потом уже профессия, неустанно цитируя великого Д. Дидро:

«В тот момент, когда художник думает о деньгах, он теряет чувство прекрасного».

Галерея Ишангулы Ишангулыева

Выпускник Школы Искусств Ашхабада и Института Реставрации Москвы, член Союза художников Туркменистана, Ишангулы Ишангулыев, неоднократно участвовал в выставках, организовывал персональную экспозицию, где, в последующем, был удостоен народного признания и награждён знаменем «Золотой век». В 2010 году получил звание Заслуженного художника Туркменистана. Также И. Ишангулыев был неоднократно удостоен внимания на международных выставках, в том числе персональных, где был признан одним из лучших художественных деятелей, представляющих Туркменистан. Его работы широко известны в Англии, Индии, США, Турции, России, Франции, Германии и Узбекистане.

Работы мастера имеют особый колорит. Зачастую в его картинах прослеживается влияние иностранной культуры. Однако, в то же время, присутствует и манерность национального характера.

Картины Ишангулы Ишангулыева, написанные в Индии

— Я черпаю вдохновение, путешествуя по миру. — делится, художник. — Всё вокруг – источник вдохновения, особенно, когда всё вокруг новое.

Одними из самых ярких его произведений считаются изображения женщин. «Женщина в красной шляпе», «Ева», «Принцесса Радогуна» — вот некоторые из таких работ. Каждая выполнена в своей стилистике, но везде угадывается рука мастера.

— Женщины всегда были вдохновением для всех художников. Для меня образ женщины это ещё и способ выразить некую поэзию в живописи, раскрыть сакральные чувства и отобразить их на холсте.

— рассказывает Ишангулы.

Как повествует мастер, в своих произведениях он нарочито совмещает множество силуэтов, комбинируя одни образы другими, чтобы оставить загадку для зрителя.

Ишангулы Ишангулыев рассказывает о своих прозведениях

— С самой первой минуты пребывания в галерее, возникает пленительное ощущение пребывания в какой-то параллельной Вселенной.

— делится одна из гостей галереи.

Путешествуя по миру, художник сделал массу наблюдений, из которых, в последующем, зарождались образы для будущих картин. Каждое сочетание оттенков, каждая комбинация форм откладывались в запасе идей и превращались после в произведение искусства. Этим объясняется большая аудитория почитателей его творчества, которая неустанно ждёт его новых шедевров.

Лучшие 35 композиций для рисования | Музыка для творчества

Музыка эмоциональна. Музыка помогает нам почувствовать звук. Музыка часто говорит больше, чем слова. Музыка открывает творческие возможности.

Слушай и создавай

Музыка обитает в пространстве, где живут наши души. Это может помочь вам увидеть цвета, с помощью определенных инструментов, напоминающих вам об оттенках, которые подходят для вашей конкретной картины. Как преобразовать музыку в цвета и узоры? Как вы реагируете на звук, чтобы выразить себя наилучшим образом?

Фоновая музыка, которую вы выбираете, может различаться в зависимости от типа работы, которую вы создаете.Настроения меняются вместе с погодой, а вкусы меняются. Вот почему мы собрали все треки, которые вдохновляют нас начать творить. Они также могут подтолкнуть вас к творчеству!

Коллекция музыки вдохновляет как в качестве фона для творчества дома, так и во время удаленной работы. Думайте об этом как о саундтреке к вашей жизни, когда вы едете по городу или отправляетесь в путешествие.

Смотри. Слушать. Создавать.

Художественный плейлист

1. Воздух - детская площадка Love

Умиротворяющая и успокаивающая, как прилив, обволакивающий песчаный берег, - это музыка этого французского дуэта из великолепного Версаля.Их звук - электроника, смесь поп-мелодий и теплых медных духовых инструментов. Подумайте об атмосфере свечей, мягких и объемных нотах, которые легко трогают ваше сердце.

2. Аструд Жилберто, Жоао Жилберту и Стэн Гетц - Девушка из Ипанемы

Трудно не представить себе романтический акварельный пейзаж на закате, когда слышишь эту нежную мелодию «Девочки из Ипанемы». Это обязательно подтолкнет вас к созданию чего-то потрясающего с помощью длинной кисти, смешивающей цвета и добавляющей яркие переходы для создания красивых пейзажей.

3. Aphex Twin - Аврил 14 (расширенный)

Сказочно элегантное, эффектное и гармоничное изделие. Поистине неожиданная работа, сделанная одним из самых интригующих музыкантов современной электронной сцены - ирландским диджеем Ричардом Дэвидом Джеймсом aka Aphex Twin.

4. Хруангбин - Две рыбы и слон

Группа из трех человек из Техаса под названием Khruangbin создает чарующую и неземную музыку, успокаивающую душу. Наслаждайтесь этой мультикультурной электронной смесью фанка, заводных и соул-звуков со всего мира.

5. Vendredi sur Mer - La Femme à la Peau Bleue

Приятно сладкий звук исполнителя из Женевы, Швейцария, является воплощением женской сексуальности. Идеально подходит для прослушивания во время рисования женской формы.

6. Thievery Corporation - Saudade

Эта супер-романтическая мелодия представляет собой смесь гитары, босса-новы и лаунж-музыки в исполнении электронного дуэта из Вашингтона. Он затрагивает струны вашей души и вдохновляет на создание произведений искусства, живописи и раскраски.Будьте готовы к грусти и самоанализу, вызванным этой очень чувственной и лиричной песней.

7. млрдкспк_ - Тихо

Охлаждающие вибрации и кашемировые петли хип-хопа создают мягкий звук с плавным ритмом. Возможно, это самый нейтральный трек для ваших хобби и других занятий. Бесконечно мягкий и идеальный для заливки акрила.

8. Эльсиан - Механик эмоций

Ав, Эльсиан. Канадский проект с супер-расслабляющим даунтемповым звучанием, бесконечно красивым и добрым.Целая вселенная комфортного звука для вашего вдохновения.

9. Erykah Badu - On & On (Booty Fade Remix)

Эрика Баду - настоящая королева атмосферного звука. Как продюсер и актриса, создающая глубокую и совершенно очаровательную музыку, ее музыка заставляет вас идти в ногу с ритмом, взять свой набор красок и начать рисовать шедевр.

10. Городская девушка - Эовин

Неограниченный успокаивающий эффект делает эту музыку незаменимой для акварельной живописи, акварельных пейзажей, набросков, черчения и выполнения ручных и самодельных проектов.

11. Swørn - Gone

Электронная фоновая музыка Chillhop, доставляющая истинное наслаждение для ушей. Это одновременно задумчивая и блуждающая.

12. L'Impératrice - ПАРФЮМ THÉRÉMINE

L'Impératrice, группа родом из Парижа, предлагает вам смесь французской поп-музыки и галактической дискотеки. Их музыка нравится всем и, несомненно, пробудит творческий потенциал во время ваших художественных занятий. Абсолютная любовь!

13. Нож и Джей-Джей Йохансон - «Мраморный дом»

Дуэт братьев и сестер из Стокгольма подарил миру коктейль из винтажного синти-попа, электропопа и интеллектуальной электронной музыки.Этот трек хорошо подходит для обсуждения поделок и любого искусства DIY, эстетической живописи и воплощения ваших смелых художественных идей.

14. Эхо-камера Мелодии - Я иду за тобой

Звук французской поп-музыки, созданный из синтезаторных мелодий, акустического барабана, пэдов и петель. Великолепное музыкальное произведение, лирическое и прозрачное, как сахарная вата.

15. Ян Юинг - LuvnYou

Талантливый парень, мульти-инструменталист, издающий волшебный мечтательный звук.LuvnYou успокаивает ваш разум звуком, который добавит теплого фонового ритма вашим ежедневным наброскам и карандашным рисункам.

16. Эмили Уэллс - Прекрасный колодец Реквием

Fair the Well Requiem - трек, созданный замечательным музыкантом из Техаса. Каждый трек - это еще одна драматическая история любви, мимикрии и размышлений, которая погружает вас в таинственный мир идей и творчества.

17. Club Des Belugas - Wearing Out My Shoes

Ритмы и голос очень органичного нуджазового коллектива из Германии, микширование лаунж, бразильского ритма и американского черного соула в единую звуковую палитру.

18. Танита Тикарам - Твист в моей трезвости

Еще одна романтическая песня классной Таниты Тикарам - самая лучшая из конца 80-х. Удачное сочетание поп-музыки, соула и джаза. Абсолютный хит для вашего воображения.

19. Оливер Колецки подвиг. Fran - Echoes

Немецкий звукорежиссер Оливер Колецки делает качественную танцевальную и хаус-музыку. Это трек, который невозможно перестать играть - мягкий и хороший во всех смыслах.

20.Мама - у нас есть карта фортепиано

Исландская группа создает экспериментальную поп-музыку, добавляя мягкий вокал, глитч-биты и множество электронных эффектов, созданных с помощью различных музыкальных инструментов. Звуки напоминают саундтрек из сказки или мультфильма.

21. Нат Кинг Коул - L.O.V.E

Широко известный джазовый певец и автор песен Нат Кинг Коул - действительно подвижный праздник, который поднимет настроение. Это музыка, проверенная временем.

22.Социальный клуб Buena Vista - Chan Chan

Музыка в клубе Buena Vista Social Club залита кубинским солнечным светом. Ансамбль, создающий музыку, полную ярких эмоций. Не для описания, а для слушания и ощущения!

23. Кристиан Лёффлер - Йорк

Кристиан Лёффлер - бесконечно стильный музыкант и очень талантливый продюсер из Дарса, Германия. Он мастер техно, хаус и эмбиент техно. Идеальная экспериментальная музыка для пастельных набросков, набросков цветными карандашами или любого другого занятия, требующего концентрации на процессе.

24. Лабринт - Ревность (Кавер для фортепиано)

Удивительный и выдающийся электронный музыкант из Лондона, обладатель премии Грэмми, Тимоти Ли Маккензи, создает музыку, которую хочется слушать снова и снова. Он настоящий гений звука, один на миллион.

25. Массовая атака - Неоконченное сочувствие

Massive Attack - легендарный звук трип-хопа из Бристоля, Англия. Музыка заставляет вас дышать глубже, заставляет чувствовать, лишает дара речи своей внутренней любовной борьбой.Динамичный и живой, это совершенно потрясающий звук.

26. Гига Папаскири - Люси из Парижа (Original Mix)

Танцевальная электроника из Джорджии, которая идеально подходит для создания просторных пейзажей, уникальных акварелей, работ из акрила и архитектурных эскизов.

27. Магнитная поэзия - волшебство - это мы

Magis Is Us - трек русского дуэта Magnetic Poetry. Чистый ритм, грустные гитарные партии с радостными временами разделения и синтезатор, который создает атмосферную музыку, идеально подходящую для зарождения и развития новых идей.

28. Джерри Маллиган - Прелюдия ми минор

Джерри Маллиган - уникальный американский джазовый саксофонист, кларнетист и композитор, развивший жанр крутого джаза. Его глубоко лиричная музыка - настоящее сокровище джазовой сцены и всего мира.

29. Роберт Хей - Чистая вода

Это отличный образец современной классической музыки. Очень чувственный и трогательный, он одинаково хорош для занятий искусством, дыхательной гимнастики и йоги.

30. Paco De Lucia - Entre Dos Aguas

Один из величайших испанских гитаристов, известный как сын фламенко, Пако Де Люсия, виртуоз гитарной музыки. Entre Dos Aguas поразит вас и вдохновит взять холст и кисти, чтобы выразить себя! Прямо сейчас!

31. Файст - Интуиция (Соло Чилли Гонсалес)

Это такой тонкий и интимный вокал, полный эмоций и воспоминаний милой канадской девушки.

32. Рёйксопп - вот и она снова

Here She Comes Again - электронный подарок из Норвегии. Мелодичная, томная и великолепно исполненная, эта стильная песня хорошо впишется в любой плейлист для рисования.

33. Бен Ховард - Только любовь

Очень красивая, легкая и трогательная гитарная музыка Бена Ховарда, художника из Лондона, выросшего на музыке таких икон, как Боб Дилан, Нина Симон и Джон Мартин.

34.Гидж - Хулдра

Этот дуэт из Швеции приносит вам окружающий электронный звук, описанный как эфирные ритмы, переносящие ваш разум, тело и душу в более спокойное место. Настоятельно рекомендуется.

35. metic - Детская площадка Romance

Очень эмоциональная и воодушевляющая струнная мелодия, идеальная для рисования или работы.

Ничто так не стимулирует творческое мышление, как прослушивание музыки, и неудивительно, что классическая музыка имеет тенденцию повышать ваши творческие способности.Но мы надеемся, что наш альтернативный плейлист расширит ваши музыкальные горизонты!

Если вы ищете другие плейлисты, чтобы вдохновиться или создать музыкальный саундтрек для своего творчества, мы рекомендуем проверить этот плейлист от The Guardian.

Существует также множество простых в использовании потоковых сервисов, многие из которых имеют бесплатные пробные периоды. К ним относятся некоторые из наших любимых: Deezer, Apple Music или Google Play Music.

Если вам нравятся инди-исполнители, обратите внимание на эти музыкальные платформы: Artlist или Epidemic Music.

Нам всегда интересно, что слушают артисты, когда создают. Поделитесь своими любимыми мелодиями для работы в разделе комментариев ниже.

песен, вдохновленных изобразительным искусством - 10 лучших | DailyArt Magazine

Визуальное искусство вдохновило песни из самых разных музыкальных жанров, от классики до хэви-метала, от оперы до эстрадных певцов, от мюзиклов до хип-хопа. Давайте познакомимся с одними из лучших и худших песен, вдохновленных визуальным искусством!

Бейонсе и Джей Зи перед картиной Леонардо да Винчи Мона Лиза , Лувр, Париж, Франция.# Бейонсе / Tumblr.

В 2018 году Бейонсе и Джей Зи попали в международные заголовки, сняв в Лувре музыкальное видео с одними из самых драматических шедевров за три тысячелетия. Посмотрите увлекательное исследование этого здесь.

Эта знаменитая пара известна как коллекционеры произведений искусства, но давайте вспомним, что связь между визуальным искусством и музыкой существует намного, намного дольше.

10 лучших песен, вдохновленных визуальным искусством

Нат Кинг Коул и Мона Лиза

Леонардо да Винчи, Мона Лиза , ок.1503, Лувр, Париж, Франция.

«Вы улыбаетесь, чтобы соблазнить любовника, Мона Лиза? Или это твой способ спрятать разбитое сердце? »

Нат Кинг Коул, Мона Лиза , 1952.

Плавный голос Нат Кинга Коула напевает нам о любви и красоте таинственной Моны Лизы. Эта медленная фортепианная баллада, исполненная таким теплым голосом, занимала лидирующие позиции в хит-парадах 1950 года.

Дэвид Боуи и Энди Уорхол

Энди Уорхол, Мэрилин Монро , 1967, экранная печать, Музей современного искусства, Нью-Йорк, Нью-Йорк, США.

Загадочный Боуи отмечает широкую карьеру Энди Уорхола в области поп-арта, но современные анекдоты говорят нам, что Энди Уорхолу эта песня не понравилась. Когда Боуи впервые сыграл его, наступила неловкая тишина, после чего Уорхол сказал Боуи: «Мне нравятся твои туфли».

Интересно, что 25 лет спустя, в 1996 году, Боуи сыграл Уорхола в фильме Джулиана Шнабеля о художнике Жане Мишеле Баския.

Дон Маклин и Винсент

Винсент Ван Гог, Звездная ночь , 1889, Музей современного искусства, Нью-Йорк, Нью-Йорк, США.

«Ты покончил с собой, как это часто делают любовники, но я мог бы сказать тебе, Винсент, этот мир никогда не предназначался для такой красивой, как ты».

Дон Маклин, Винсент , 1971.

В том же году, когда Боуи спел Уорхола, американский певец и автор песен Дон Маклин написал дань уважения Винсенту Ван Гогу. В преследующей лирике упоминаются синие и темные тона картины The Starry Night , контрастирующие с золотым сиянием звезд на заднем плане.

Ван Гог вдохновлял и классических музыкантов. Оркестровое произведение Анри Дютийё «Тембр, пространство, движение» отсылает к той же картине «Звездная ночь», а финский композитор Эйноюхани Раутаваара написал и оперу, и симфонию о жизни Ван Гога.

Отторино Респиги и Боттичелли Триптих

Сандро Боттичелли, Primavera , c. 1482, Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

На создание этой симфонии вдохновили три картины Сандро Боттичелли: Весна , Рождение Венеры, и Поклонение волхвов .Одна из самых известных картин Боттичелли, Primavera ( Spring ), представляет собой произведение раннего Возрождения с изображением таких мифологических фигур, как Венера, Амур и Меркурий. Она также считается одной из самых популярных и противоречивых картин в мире.

Брайан и Майкл Matchstalk Men и Matchstalk Кошки и собаки

L. S. Lowry, The Pond , 1950, Тейт Британия, Лондон, Англия, Великобритания.

« Я уверен, что однажды он шел по нашей улице, потому что рисовал детей, которые еще не стояли на ногах»

Брайан и Майкл, Machstalk Men и Matchstalk Cats and Dogs , 1992.

Эта песня заняла первое место в британских музыкальных чартах и ​​играла 19 недель. Это вызвало ужас у молодых модных поклонников поп-музыки, которые вздрогнули от сентиментального припева, который пели дети школьного хора Сент-Уинифред. Песня «Чудо одного хита» была данью уважения художнику Л. С. Лоури, который умер двумя годами ранее. Лоуренс Стивен Лоури был английским художником, который рисовал отличительные фигуры со своей родины в Ланкашире.

Coldplay и Viva la Vida

Фрида Кало, фот.Гильермо Кало, 1932. Wikimedia Commons.

Британская рок-группа Coldplay играет быстро и свободно с артистической образностью в своем сингле и альбоме 2008 года, оба названных Viva la Vida . Утверждая, что его вдохновила последняя картина Фриды Кало, фронтмен Coldplay Крис Мартин сказал, что идея альбома - это сила Фриды Кало, которая помогает преодолевать трудности и при этом радоваться жизни. Он сказал журналу «Rolling Stone»:

: «Она, конечно, пережила много боли, а затем она начала большую картину в своем доме, которая говорила:« Viva la vida ». Мне просто понравилась смелость этого рисунка.»

Крис Мартин, Эксклюзив для Rolling Stone: раскрыто название нового альбома Coldplay Эвана Серпика, 2008, The Rolling Stone.

Текст песни содержит исторические и христианские отсылки, но не упоминает об их изначальном вдохновении. Сороковой инстинкт «заимствования» у других артистов продолжается и на обложке альбома, и в видеоклипе, которые отдают дань уважения Liberty Leading the People Эжена Делакруа.

«Прогресс повесы», оперное либретто Игоря Стравинского, В.Х. Оден и Честер Каллман

Уильям Хогарт, A Rake’s Progress , 1735, офорт и гравировка, пластина 8, Тейт Британия, Лондон, Англия, Великобритания.

The Rake’s Progress - это повествовательная серия картин Уильяма Хогарта. Это история Тома Рэйквелла, молодого человека, который унаследовал огромное состояние своего отца, но растратил его на выпивку и азартные игры. Его жизнь рушится вокруг него, и в конце концов он попадает в тюрьму как сумасшедший в Королевской больнице Вифлема. Стравинский видел картины Хогарта в 1947 году в Чикаго.Затем он сотрудничал с Оденом и Каллманом в опере, основанной на этой трагической сказке.

Ла Мер и Клод Дебюсси

Кацусика Хокусай, Большая волна у Канагавы, ок. 1830/33, Институт искусств Чикаго, Чикаго, США.

Это культовое классическое произведение известного французского композитора, по-видимому, было вдохновлено столь же культовым произведением The Great Wave off Kanagawa Кацусики Хокусая. Одно из самых узнаваемых произведений японского искусства, The Great Wave - одно из серии панно, посвященных японской горе Фудзи.Поэтому Дебюсси производит богатое и вызывающее воспоминания звуковое изображение дикой и естественной силы моря.

Остров мертвых и Сергей Рахманинов

Арнольд Боклин, Die Toteninsel или Остров мертвых , 1886, Museum der Bildenden Kunste, Лейпциг, Германия.

После просмотра картины Арнольда Боклина « Die Toteninsel » во Франции в 1907 году, Рахманинов сочинил задумчивую и зловещую симфоническую поэму « Isle of the Dead ».Фактически Боклин нарисовал целую серию этих изображений. На всех изображена похожая сцена пустынного острова с рощей кипарисов, а также небольшой гребной лодкой с гробом и одетой в белое траурной фигурой. Картина также вдохновила других визуальных художников, таких как Сальвадор Дали, и даже была показана в фильме RKO 1933 года Кинг-Конг.

Стивен Сондхейм, мюзикл «Воскресенье в парке с Джорджем»

Жорж Сёра, Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт , 1884, Институт искусств Чикаго, Чикаго, США.

Сёра написал «Воскресный полдень на острове Гранд-Джатте» в 1884 году. Эта очень известная картина является прекрасным примером техники пуантилизма Сёра, в которой простые точки разного цвета сгруппированы вместе, чтобы сформировать различимый образ. На картине изображена мирная сцена в парке у реки Сены во Франции. Сто лет спустя Стивен Сондхейм был вдохновлен картиной. Таким образом, он выдумал жизнь Сёра в отмеченный наградами мюзикл.

Итак, это всего лишь несколько примеров.Вы можете не согласиться с моим выбором, или, если вы считаете, что я упустил ваш личный фаворит, поделитесь им в комментариях! Путь художественного вдохновения, конечно же, идет в обоих направлениях - у Василия Кандинского была синестезия, которая позволяла ему создавать удивительные картины на основе музыки, которую он слушал.

А теперь есть идея для другой статьи - картин, вдохновленных музыкой! Какие-либо предложения?!

Посмотрите наш плейлист Spotify с песнями из этой статьи:


Подробнее об искусстве и музыке:

Если вы найдете радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журнал DailyArt
, сделав скромное пожертвование.Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

Может ли музыка вдохновить ваши картины?

Искусство вдохновения: подумайте, как прослушивание музыки во время создания искусства может повлиять на результат вашей работы.

Жан Педерсон

Вы когда-нибудь ходили на музыкальный концерт и испытывали физическую реакцию? Звуковые волны, попадающие в ваши уши, вероятно, вызывают физические и эмоциональные реакции, такие как мурашки по коже на руках или слезы на глазах.

Жан Педерсон, «Румба», акрил, 12 x 12 дюймов.
Этот портрет из акрила, который я нарисовал, слушая динамичную музыку, показывает мою энергичность, оставленную в шарфе и одежде.

Музыка влияет на наше настроение, поднимает настроение, трогает наши сердца, заставляет наши ноги стучать в такт перкуссии.

Музыка - это просто сборник нот в интерпретации музыканта. Музыкант играет музыку, которая, в свою очередь, стимулирует крошечные волоски в наших ушах, и наш мозг слышит слуховое сообщение.Когда мозг слышит музыку, мы оцениваем звук и реагируем, например, с удовольствием, грустью или раздражением.

Художественные дисциплины могут вдохновлять друг друга и влиять на энергию, эмоции и мотивацию в каждом творческом начинании.

Я думаю, что все художественные дисциплины схожи - связаны языком, передачей идей, реакцией аудитории, обогащением общества, порождением творческих способностей в других (например, медицина, инженерия, технологии могут вдохновить искусство).

Художники - пишущие, рисующие, лепящие, играющие или играющие музыку - используют аналогичные термины в своих дисциплинах. Гармония, единство, ритм, движение, баланс и акцент - примеры терминов и соображений в рамках искусства. Неудивительно, что мы реагируем и чувствуем связь друг с другом.

Понимание того, что музыка может вызывать такие сильные эмоциональные реакции, может помочь артистам в их творческом процессе. Музыка может быть очень полезной, направляя художественные замыслы с помощью мазков кисти и выбора цвета.

Жан Педерсон, «Перспективное мышление», смешанная техника, 20 x 16 дюймов.
Этот портрет в смешанной технике отражает спокойную музыку, которую я слушал во время рисования.

Я всегда начинаю свой творческий процесс с «Каковы мои намерения?»

Я начинаю свои замыслы в рисовании с идеи, например, передачи энергии, стиля или приподнятого чувства. Я выбираю музыку с высокой энергией (например, Aerosmith или Elle King), чтобы помочь мне двигаться, улыбаться и делать выразительные, энергичные знаки. Отметки, сделанные во время этого процесса, передаются публике так же, как и музыка.При прослушивании подумайте о выборе музыки и о том, как она отражается на ваших художественных замыслах.

Бывают моменты, когда мне нужно сосредоточиться во время рисования. Мои более реалистичные портреты требуют спокойной, вдумчивой работы, а моя любимая музыка - это классика, латинская гитара или Лорина МакКеннитт. Подобно тому, как музыка может помочь вам добиться успеха, она также может препятствовать вашему творческому потоку.

Я часто использую музыку со студентами, поощряя автоматическую реакцию на то, что они слышат. Музыка, которая раздражает слушателя художника, часто пагубно сказывается на результатах рисования.Неприятная музыка часто оставляет темные, сильные отметины или, в крайнем случае, пустой взгляд на чистый холст.

Я призываю вас обдумывать свои намерения и мыслить каждый день в студии. Поэкспериментируйте с разными стилями музыки и узнайте, как эти стили влияют на создание ваших знаков и выбор цвета. Выберите музыку, которая вызовет соответствующие оценки для вашего намеченного результата.

Составьте плейлисты, которые вдохновят вас на разные темы. У меня есть один плейлист с медитативной музыкой, другой - для энергичного ритма, а третий - для множества стилей.

Знайте свои намерения, включите музыку и позвольте своей кисти летать, чтобы передать свои идеи в визуальном диалоге.

Используйте раздел комментариев ниже, чтобы рассказать нам, какую музыку вы слушаете в студии, и как она вдохновляет или влияет на ваше искусство!

Посетите веб-сайт Джин Педерсон www.jeanpederson.com.


Познакомьтесь с захватывающими инновационными техниками заливки акрилом:
Bette Ridgeway: Layering Light (127 минут, видео-инструкции Liliedahl Art)

лучших художников рассказывают, как найти творческое вдохновение | Культура

Моя группа [Elbow] из опасения заставить нас походить на Уолтонов является для меня огромным источником вдохновения.Они мои ровесники, моя семья; когда они придумывают что-то впечатляющее, это вдохновляет меня на создание чего-то не менее впечатляющего.

Очень важно проводить время в своей голове. Когда я был мальчиком, мне приходилось ходить в церковь каждое воскресенье; у священника был непонятный ирландский акцент, так что я отключалась на целый час, просто проводя время в своих мыслях. Я до сих пор так делаю; Я часто записываю фрагменты, которые позже действуют как отправные точки для лирики.

Пустой холст может быть очень пугающим, поэтому установите для себя ограничения.Мои часто устанавливаются для меня музыкой, которую придумала группа. Например, с The Birds - первой песней на нашем последнем альбоме - у группы уже был замечательный грув, и я знал, что хочу, чтобы вокал отражал басовую линию, так что это было то, над чем можно было бы сразу поработать.

Просто начни писать. Первый черновик никогда не бывает последним. Ничего из того, что вы пишете, не случайно.

В лучших песнях часто сочетаются две разрозненные идеи. Когда я начал писать тексты для The Birds, я сидел в коттедже на территории студии Питера Гэбриэла Real World.Я смотрел на птиц снаружи, начинал придумывать тексты о них; а потом я вспомнил, когда в последний раз был там, 10 лет назад, в конце большого любовного романа. Я подумал, как мне совместить эти две идеи? Так мне пришла в голову идея о любовном романе, который закончился в поле, и птицы были единственными свидетелями.

Не бойтесь неудач.

Если все становится слишком напряженным, помните, что это всего лишь песня. Я усвоил это на собственном горьком опыте: когда был моложе, я играл роль неуравновешенного, вспыльчивого пьяного, чтобы было о чем написать.

Лучший совет, который я когда-либо получал, пришел около 20 лет назад от Мано Маклафлина, одного из лучших британских авторов песен. «Песня - это все, - сказал он, - не беспокойтесь о том, как звучит остальная музыка: вы несете ответственность за песню». Я нашел это действительно вдохновляющим: это напомнило мне не беспокоиться о том, звучит ли песня круто или соответствует всему, что мы делали раньше, а просто позволить песне быть такой, какая она есть.

Полли Стенхэм, драматург

Драматург Полли Стенхэм в Королевском придворном театре.Фотография: Энди Холл для Guardian

Слушайте музыку Я всегда включаю музыку, пока пишу. Я очень слуховой человек; как только я слышу текст или фразу, меня переносят в определенное время или место. Мои вкусы сильно разнятся. Когда я писал «Это лицо», я слушал «Безумно люби ее у дверей», который, казалось, много говорил об отношениях персонажей с их матерью. Что касается Tusk Tusk, я снова и снова играл альбом Radiohead In Rainbows. Одна лирика о том, что это животное, застрявшее в машине, даже вошла в сюжетную линию пьесы.

Doodle Я очень беспокойный и, кажется, лучше всего работаю, когда мои руки заняты чем-то другим, кроме того, о чем я думаю. Во время репетиций я рисую маленькие картинки или символы, которые так или иначе связаны с пьесой. В Tusk Tusk это были слоны, клоуны и платья на вешалках. Я посмотрю на свои дудлы позже, и мне будут приходить случайные отрывки диалогов.

Прогуляться Каждое утро я хожу в Хэмпстед-Хит [на севере Лондона], и я также часто отправляюсь на прогулку в середине дня, чтобы обдумать персонажа или ситуацию.Я слушаю музыку на ходу. Опять же, речь идет о том, чтобы занять одну часть вашего мозга, чтобы другая часть была творческой.

Тамара Рохо, артистка балета

Артистка балета Тамара Рохо. Фотография: Тристрам Кентон для Guardian

Я ищу вдохновения в кино, театре, музыке, искусстве, а также в просмотре других балетных трупп, других танцоров и других танцевальных жанрах. Я никогда не завидую другому хорошему танцору: я всегда чувствую, что у него есть чему поучиться.

Идея никогда не приходит ко мне внезапно; какое-то время он сидит внутри меня, а затем выходит наружу.Когда я готовлюсь к роли определенного персонажа, я ищу идеи о ней везде, где могу. Когда я впервые танцевала Жизель, фильм Ларса фон Триера «Танцовщица в темноте» меня вдохновил. Было так темно, и казалось, что это современная версия Жизели - история молодой женщины, которой воспользовались другие. Это оживило меня. Теперь, когда я разговариваю с другими, кто играет «Жизель», они иногда говорят, что обеспокоены тем, что это похоже на пародию и не имеет отношения к сегодняшнему дню. Я говорю им, чтобы они посмотрели этот фильм и увидели, насколько он может быть современным.

Чтобы получить истинное вдохновение, вы должны научиться доверять своему инстинкту и своему творческому сочувствию. Не репетируйте часть слишком много, иначе она вам надоест. Тяжелая работа важна, но она предшествует вдохновению: в годы тренировок, в балетном классе, в классах пилатеса. Эта работа нужна только для поддержки вашего инстинкта и вашей способности сопереживать. Без них вы все равно можете добиться хороших, технически правильных характеристик, но это никогда не будет волшебным.

Марк-Энтони Тернейдж, композитор

Забудьте о мысли, что вдохновение будет приходить к вам, как вспышка молнии.Это гораздо больше о жестком прививке.

Найдите тихую студию для работы. Шостакович не мог бы сочинить при включенном телевизоре.

Попробуйте найти студию с более чем одним окном. По какой-то причине я лучше всего работаю, когда у меня окна в двух стенах; может это потому, что там больше света. Сейчас я работаю в комнате без окон. Это совсем не хорошо.

Рутина действительно важна. Как бы поздно вы ни легли спать накануне вечером или сколько бы вам ни выпили, вставайте каждый день в одно и то же время и продолжайте.Когда я сочинял оперу «Анна Николь», я вставал в 5 или 6 утра и работал до обеда. Полдень - худшее время для творчества.

Если вы пишете что-то вечером или ночью, просмотрите это на следующее утро. Я склонен быть менее самокритичным по ночам; иногда я оглядывался на вещи, которые написал накануне вечером, и понимал, что они вообще никуда не годятся.

Если идея вас перевозбуждает, сделайте перерыв и вернитесь к ней позже. Все дело в том, чтобы научиться холодно смотреть на свою работу.

Сделайте перерыв на две-три недели после завершения работы и перед ее отправкой куда угодно. Это сложно, если у вас есть крайний срок, но это очень важно с точки зрения выработки общего представления о том, что работает, а что нет.

Раньше я думал, что для вдохновения нужно сидеть и ждать, пока к тебе придут идеи. Это может случиться время от времени: иногда я иду по улице и внезапно слышу музыкальный фрагмент, который позже могу превратить в песню.Но в целом это совсем не так. Я сравниваю этот процесс с призраками: идеи всегда присутствуют, они наполовину сформированы. Речь идет о том, чтобы быть в правильном настроении, чтобы взять их и превратить во что-то, что работает.

Одна из самых сложных вещей в написании музыки - это огромное количество отвлекающих факторов: мобильный телефон, электронная почта, Twitter, YouTube. Когда вы пишете, вы должны быть очень дисциплинированными, до такой степени, что вам будет неловко: выключите телефон и найдите место для работы, не отвлекаясь ни на что из перечисленного.

Для меня образ замученного артиста - миф - не нужно быть несчастным, чтобы писать песни. Фактически, если я чувствую себя подавленным, последнее, что я хочу делать, это писать; хотя иногда важно просто сесть и продолжить, как бы вы себя ни чувствовали. Ваше творчество похоже на кран: если вы им не пользуетесь, он забивается.

У всех нас есть этот кроткий голос, который говорит нам, что мы мусор, и нам нужно научиться, когда его замолчать. В начале процесса написания песен сравнения только вредят: иногда я включаю пластинку Дэвида Боуи и думаю: «Зачем я беспокоюсь?» Но когда дело доходит до записи или сведения, вам нужно быть самим собой критиком и редактором.Это немного похоже на рождение детей: вы не мешаете родам, но когда ваш ребенок растет, вы не позволяете ему разгуляться.

Марта Уэйнрайт, певица и автор песен

У меня определенно нет правил - я довольно дезорганизован. На самом деле, я часто испытываю чувство вины, когда сажусь писать. Так легко позволить своей жизни наполниться другими вещами - приготовлением пищи, уборкой, походом в банк, уходом за ребенком. Однако эти повседневные вещи присутствуют в моем сочинении песен.Большинство моих песен характеризуются чувством одиночества, изолированности, которое я, вероятно, испытываю от того, что провожу много времени в одиночестве.

Маленькие образы, которые я получаю, сидя в одиночестве в своей квартире - то, как свет падает в окно; человек, которого я только что видел, проходил по другой стороне улицы - нашел свое место в отрывках из лирики. Пишу короткими порывами - пять, 10, 15 минут - потом хожу по комнате или иду перекусить.

Когда я впервые переехал в Нью-Йорк несколько лет назад, я ходил на концерты каждый вечер - я видел шесть или семь музыкантов в неделю.Теперь, когда я сам сочиняю песни, я нахожу разочарование, наблюдая за другими музыкантами, - я хочу выступать одним из них. Но время от времени я вижу кого-то, кто вдохновляет меня попробовать что-то другое. Это случилось недавно с Суфьяном Стивенсом - я видел его выступление в Prospect Park, и его звук был таким мощным и попсовым, что я пошел домой с мыслью: «Я действительно должен попробовать что-то подобное».

Не забывай жить. Важно смотреть за пределы бизнеса. Существует так много замечательных историй, которые не имеют ничего общего с театром или другими писателями.

Будьте максимально совместимы. Когда я нахожусь в репетиционной, я много думаю о себе - меня вдохновляют актеры или дизайнеры, с которыми я работаю. Другие творческие люди - это ресурс, который нужно использовать.

Постарайтесь не обращать внимания на шум вокруг: болтовня, вечеринки, отзывы, зависть, стыд.

Слушайте музыку, чтобы найти выход в историю, которую вы рассказываете. Музыка невероятно запоминающаяся: найдите правильное произведение, которое отражает мир, о котором вы пишете, и вы на полпути.Когда я писал свою пьесу Penetrator, я слушал на лупе жалкую песню Sade. Послушайте песню достаточно раз, и она вызовет реакцию Павлова, которая поможет вам вернуться в то место, о котором вы пишете.

Часто мастурбировать. Вероятно, вы все равно так и сделаете, но с тем же успехом можете сделать это правилом.

Получите будильник с функцией длительного повтора и установите его заранее. Сновидения о поверхностном сне были источником многих моих лучших идей (к сожалению, маленькие дети не уважают будущего гения).

Лучшие идеи проверяются на пиках и падениях. Одно по-настоящему великолепное изображение или сцена на фоне испорченного беспорядка интригует больше, чем сотня хорошо сделанных клише.

Как только у вас возникнет идея, внимательно изучите прецедент. Если никто раньше не исследовал его в какой-либо форме, то вероятность того, что вы совершите ошибку, составляет 99%. Но именно этот риск в 1% - вот почему мы это делаем.

Убедитесь, что вы задаете вопрос, который адресован как миру вокруг вас, так и миру внутри вас. Это единственный способ продолжать работу, когда возникают сомнения.

Я всегда стараюсь, чтобы изменить свои идеи в других формах: танец, мыльная опера, олимпийские соревнования, детские игры, порнография - все, что будет держать превращая их в возможности.

С возрастом я готовлюсь все меньше и меньше и стараюсь потерять свой сценарий в первые несколько дней. В совместном творчестве чем больше вы открыты для совместного вдохновения, тем богаче работа. А может мне просто лень.

Идея - это просто карта. Окончательный ландшафт открывается только тогда, когда он находится под ногами, поэтому не слишком увязните в его достоверности.

Любите следствие, а не его причину.

У меня сороковое отношение к вдохновению: я ищу его из самых разных источников; все, что позволяет мне думать о том, как соединяется культура. Я всегда начеку - наблюдаю за людьми на улице; Я смотрю фильмы, читаю, думаю о разговорах, которые у меня есть. Я считаю жесты, которые используют люди, или цвета, которые они носят. Речь идет о том, чтобы брать все мелочи повседневного и наблюдать за ними критическим взглядом; создать альбом для вырезок, на котором можно будет рисовать.Иногда я смотрю на другие произведения искусства или фильмы, чтобы понять, чего не следует делать.

Для вдохновения очень важно уйти куда-нибудь: уехать из города в пасторальный мир и освободить место для медитации. Еще мне нравится разговаривать с людьми, которые не занимаются искусством. Что касается моей недавней работы, у меня было много разговоров с людьми, занимающимися цифровыми технологиями. Полезно получить представление о том, что вы делаете, разговаривая с самыми разными людьми.

Люси Преббл, драматург

Люси Преббл.Фотография: Дэвид Левен для Guardian

Разыграй сам. Опустить шторы.

Если когда-либо персонаж спрашивает другого персонажа: «Что вы имеете в виду?», Сцену нужно переписать.

Чувство страха - хороший знак. Писать из безопасного места в лучшем случае скучно, а в худшем - нечестно.

Можно использовать друзей и любовников в своей работе. Они любопытно польщены.

Представьте себе сцену, а не место.

Запись в обратном направлении.Начните с того чувства, которое вы хотите, чтобы аудитория испытала в конце, а затем спросите: «Как такое могло случиться?» постоянно, пока у вас не будет начала.

Раскройте себя в письме, особенно в том, что вам не нравится.

Примите тот факт, что в результате вы не понравитесь людям, которых вы не знаете.

Старайтесь не давать персонажам работы, которые на самом деле появляются только в пьесах; намеренно своеобразный (например, «парень, который меняет плакаты на огромных рекламных щитах ночью») или солипсизм (например, «писатель»).

Напишите о том, чего вы не знаете. Если вы знаете, что думаете о чем-то, вы можете сказать это в предложении - для этого не нужно играть.

Очевидно неразрешимая повествовательная проблема часто сама по себе является решением, если вы драматизируете конфликт, который в ней содержится.

Окружите себя людьми, которые не против того, чтобы вы немного отсутствовали и немного нервничали.

Будьте с ними вежливы. Они многое терпят.

Нарушайте любое правило, если глубоко внутри знаете, что оно важно.

Обычно я начинаю осознавать то, что меня вдохновляет, только ближе к концу творческого процесса или намного позже. Вот что меня мотивирует:

Места с определенной эмоциональной динамикой: больницы, парки, залы судов, терапевтические кабинеты.

Важные моменты в моей жизни, которые обостряют мои чувства, заставляют меня внимательно слушать, искать детали и пробуждают мое любопытство.

Вещи, которые все время отвлекают мое внимание и мысли, преследуют меня по ночам.

Книги, особенно те, по которым мне хочется проверить их библиографии.

Предложение, которое я читал или слышал.

То, что моя дочь говорит или делает.

Противоречия и двойные значения в языке или действиях.

Уродство.

Мои танцоры, артисты, с которыми я работаю.

Вопросы, на которые мне нелегко ответить.

Продолжайте спрашивать: «Что на самом деле здесь происходит?» - как детектив (или Рудольф Штайнер).

Погрузитесь в миры людей, которые будут использовать и сталкиваться со зданием или местом.

Забудьте на время о здании. Сосредоточьтесь полностью на том, что люди будут делать в пространствах и местах, которые вы проектируете - в следующем году, через пять лет, в 20.

Самое вдохновляющее - увидеть человеческую изобретательность в действии - она ​​повсюду вокруг нас.

Задавайте внетрассовые вопросы. Что, если бы эта библиотека была садом? Если бы этот фасад мог говорить, было бы это воркованием, руганью, молчанием, эрудитом?

Продолжайте практиковать весы. Архитектурные проблемы и предложения имеют множество масштабов одновременно - продолжайте варьировать по ним.

Собирайте вокруг себя любознательных и задумчивых людей. Быстрое перемещение идеи вперед и назад может генерировать убедительные концепции с поразительной скоростью.

Как только появилась идея, переверните ее и отнеситесь к ней серьезно на мгновение - даже если она покажется глупой.

У всех нас есть чувство возвышенного - используйте его, чтобы проверить свои предложения так же тщательно, как логику и функциональность.

Если у вас есть хорошая идея, придерживайтесь ее. Особенно, если реализация проекта - долгий и сложный процесс, постарайтесь сохранить верность духу первоначальной идеи.

Мечта. Дайте себе достаточно времени, чтобы ничего не делать. Поездки на поезде - это хорошо.

Будьте открыты для своего окружения. Я пытаюсь найти вдохновение в характере места, где я выставляюсь. Мне помогает то, что я могу ответить на то, что уже есть.

Всегда есть чем написать. Сейчас я редко рисую, но мне нужна ручка в руке, чтобы думать.

Я люблю читать и смотреть фильмы, но в основном я нахожу, что это то, что я видел или читал давным-давно, что возвращается ко мне.То, что вас вдохновляло, когда вы только начинали, обычно остается с вами.

Будьте проще.

Будьте смелыми.

Это не всегда имеет смысл.

Люблю тишину. Я не могу слушать музыку, пока работаю, и мне нужно побыть одному.

Я прохожу через беспорядочные фазы и фазы аккуратности. Беспорядок на этапе уборки никогда не бывает хорошим, и наоборот.

Акрам Хан, танцор и хореограф

Акрам Хан в Деш. Фотография: Alastair Muir / Rex Features

Collaborate Отправьтесь в путешествие с кем-то, кто отличается от вас, как мел и сыр.Меня вдохновляет диалог между двумя разными телами, двумя разными умами, двумя разными способами выражения одной идеи.

Наблюдать Я внимательно наблюдаю за своим окружением - животное на городских улицах, человек в пустыне.

Замените себя Меня всегда вдохновляют вещи, которые находятся на незнакомой территории. Даже спустя 37 лет я все еще чувствую себя перемещенным в собственном теле: я никогда не чувствовал себя полностью комфортно с ним.

Найдите истории Меня вдохновляют рассказы людей, сообществ, разных культур, новой истории, которую мы пишем или формируем.В основном меня вдохновляют дети и их бабушки и дедушки: то, как танцуют их лица.

Отпусти Подсознательная часть меня создает гораздо больше интересных вещей, чем сознательная часть может когда-либо мечтать.

Akram Khan's Desh , премьера которого состоялась в Curve Theater, Лестер в 2011 году .

Не ждите, пока к вам придет хорошая идея. Начните с реализации среднестатистической идеи - никому не нужно ее видеть. Если бы я не делал работы, которых стыжусь, то не существовало бы тех, которыми я горжусь.

Выйти из дома. Или, что еще лучше, отправляйтесь в Дом собак и кошек Баттерси и спасите посоха. Я сделал это отчасти для того, чтобы получить больше, так как слишком много времени проводил в окружении одних и тех же объектов, в одних и тех же стенах. Чувство вины, которое я испытываю, когда мои собаки находятся в помещении, заставляет меня регулярно выходить. Одна из моих любимых новых идей возникла, когда я остановился, чтобы осмотреть сорняк, растущий в лесу, по которому я гуляю.

Тяжелая работа не всегда продуктивна. Вашему мозгу нужны периоды бездействия.Я думаю об этом как о поле, лежащем под паром; продолжайте собирать урожай, и урожай не созреет.

Не ограничивайте себя только своим носителем. Кинематографист, модельер, писатель или друг может вдохновить больше, чем другой художник. Перекрестное опыление дает интересный результат.

Будьте краткими, лаконичными и прямыми. Любой, кто слишком усложняет ситуацию, в лучшем случае небезопасен, а в худшем - глуп. Дети говорят разумнее всего, и они не читали Ницше.

Не пытайтесь предугадать, что люди захотят купить.Успешные художники стали таковыми, потому что показали людям то, чего они не могли себе представить. Если бы все покупатели знали, что им нужно, еще до того, как это было сделано, они могли бы сделать это сами или, по крайней мере, заказать.

Не бойтесь отбросить всю свою тяжелую работу и планирование и сделать это по-другому в последнюю минуту. Легче держаться за идею, потому что вы боитесь признать свою неправоту, чем отказаться от нее.

Сопрано Кейт Роял. Фотография: Линда Найлинд для Guardian

Не ждите вдохновения, когда кто-то смотрит.Обычно это случается, когда вы один, и это проходит через секунду.

Вдохновение на сцене - это управляемая версия того, что вы можете испытать в тренировочной комнате. Как оперные певцы, мы связаны многими правилами - музыкальными, драматическими и интерпретационными. Когда приходит вдохновение, вы должны надеяться, что остальные 10 человек на сцене дадут вам возможность погрузиться в ваш «момент».

Старайтесь не слишком много анализировать другие голоса и интерпретации. Конечно, мы черпаем вдохновение у великих людей, но лучше всего его можно найти в партитуре оперы или в стихах.Если это вас не вдохновляет, значит, вы ошиблись в работе.

Ошибки могут вдохновлять - позволяйте себе рисковать и делать то, что вас пугает. Люди могут помнить цвет вашего платья и то, что вы пели на бис, но никто не вспомнит, забыли ли вы слово или если ваша фраза не соответствовала плану.

Помните, что искусство везде. Удивительно, что вас вдохновляет в автобусе № 464 из Пекхэма.

Алкоголь и пение - плохая комбинация - по крайней мере, в опере.Чем больше пьешь, тем уродливее звучишь.

Будьте добры к своему голосу. Если вы хотите, чтобы это вдохновляло вас, вы должны вдохновлять его много отдыхом, паром, сладостями и время от времени хорошими разговорами.

Не гуглите ни себя, ни свои отзывы. Это может закончиться только несчастьем - вы либо верите в дерьмо, либо в хорошее, либо совсем не верите.

Впустите аудиторию в свой мир, и вы обязательно получите от нее вдохновение. Иногда даже человек, спящий позади, вдохновлял меня петь с чуть большей «остротой».

Получите некоторую перспективу. Я всегда думал, что мне нужно слушать музыку каждую секунду каждый день, иначе я не выживу. На самом деле, когда я отхожу от этого и учусь наслаждаться более приземленными аспектами жизни, я гораздо больше ценю свою музыку.

Подожди там. Вдохновение может прийти в любой момент, даже если кажется, что вы никуда не денетесь. Сохраняйте выносливость, не прикладывайте слишком много усилий и верьте, что вы найдете свой путь.

Постарайтесь создать атмосферу, в которой люди могут свободно рисковать.Страх может подавить творчество, равно как и давление с целью произвести впечатление.

Включите силу группы, чтобы то, что может быть достигнуто коллективно, превосходило давление на любого отдельного человека.

Доверьтесь смекалке и инстинкту актеров. Окружите их подходящими условиями, и они многому вас научат.

Вы не можете слишком подготовиться. Наслаждайтесь как можно более тщательным и тщательным поиском перед тем, как начать, чтобы вы могли быть максимально свободными, когда начнете.

Вопросы часто открывают двери воображению, даже если мы чувствуем, что должны дать ответы.

Примите новые вызовы. Когда мы тянемся к чему-то, мы склонны быть более креативными.

Попробуйте убрать собственное эго из уравнения. Это может мешать.

Работайте усердно и наслаждайтесь возможностями.

Сделайте глубокий вдох и совершите прыжок веры.

Оливия Уильямс, актер

Оливия Уильямс. Фотография: Грэм Робертсон для Guardian

Оставайтесь открытыми. Актерская игра специфична, потому что требует сотрудничества и социального взаимодействия - как для наблюдения, опыта и сопереживания другим человеческим действиям, чтобы правдоподобно воспроизвести их на сцене или экране, так и просто для работы с другими актерами для создания сцены.

Расслабьтесь. Это не означает, что сама работа или подготовка расслаблены, но начало процесса - чтение сценария и видение того, как это может быть реализовано, - не является принудительным. Затем, когда приходит вдохновение, начинается беспорядочный практический процесс.

Мы живем в сложном, но вдохновляющем мире, и там так много всего, что я хочу записать. Однако вы не можете сфотографировать все, поэтому мне приходится выбирать предметы, которые проливают свет на мои отношения с миром.Это часто выражается в двусмысленности или противоречии.

Взгляните, например, на туризм. Мы представляем, как будет выглядеть известный сайт, как мы видели фотографии, но когда вы попадаете туда, реальность обычно бывает иной. Это противоречие между мифологией и реальностью является источником вдохновения и противоречия.

Вдохновение также может прийти, когда установлена ​​хорошая связь с предметом. Природа и качество этой связи могут сильно различаться. Он может варьироваться от попадания в небольшое сообщество и завоевания доверия субъектов за несколько посещений; но это могло также происходить от прогулки по горам и ощущения определенной близости с ландшафтом.

Умение состоит в том, чтобы найти собственное вдохновение и отправиться в путешествие, чтобы создавать личные и откровенные работы.

Уэйн МакГрегор, хореограф

Do

Empty

Panic

Forage

Generate

Embody

Edit

Decide

Persist canvas

Interviewt
9024 блюз: музыка, вдохновляющая на творчество | Art

Если вы студент первого курса гуманитарных наук и еще не испытали творческого затишья, вы, вероятно, скоро это сделаете.Сидите ли вы перед текстовым документом, в котором ничего не написано, кроме заголовка, или смотрите на чистый холст, неизбежная потеря вдохновения. Ваши ногти никогда не будут короче, а ваша новостная лента в Facebook никогда не будет более интересной.

Что делать? Попросите кого-нибудь изменить ваши пароли в социальных сетях и наденьте наушники. Прослушивание музыки может вдохновить на новые идеи и направить вашу работу в неожиданном направлении.

Вот плейлист, который пробудит в вас творческий потенциал и поможет взглянуть на свою работу в новом свете.Есть агрессивные песни для действительно неприятных моментов и успокаивающие мелодии, которые успокаивают.

Джон Талабот - Так будет и сейчас

В последний год обучения я обнаружил, что пытаюсь написать диссертацию на 12 000 слов, оставив меньше времени, чем я надеялся. Пустота в голове каждый раз, когда я садился перед экраном, приводила в такое бешенство, что единственным художником, которого я мог слушать, когда писал, был Джон Талабот, чья чарующая электроника убаюкивала слова из моего быстро распадающегося мозга и уговаривала их на бумаге.

Charlie Parker and Dizzy Gillepsie - Koko

Koko - один из самых узнаваемых треков бибопа, когда-либо созданных. Труба и саксофон Паркера и Гиллеспи отскакивают друг от друга под лаунж-фортепианный рифф и безжалостную барабанную дробь. Этого достаточно, чтобы заставить ваш разум и сердцебиение биться чаще, хотя бы на пару минут. Музыкальный шот из кофеина.

Aphex Twin - Windowlicker

Если вы чувствуете себя скучно, приготовьтесь к изменению разума с помощью запутанного, но морщинистого забавного видео Ричарда Д. Джеймса и Криса Каннингема для Windowlicker.Сама по себе песня - это искаженное путешествие сэмплов ударных и искаженного французского вокала; В сочетании с видео это превращается в цирк бородатых дам, хореографических танцевальных движений и достаточно ненормативной лексики, чтобы сделать это строго водоразделным материалом.

Penguin Cafe Orchestra - Perpetuum Mobile

Фотограф Уильям Куттс, который учился в Central Saint Martins, рекомендует этот музыкальный коллектив, создавший в 70-х годах работы, движимые эстетикой спонтанности и свободы.

Он говорит: «Я слушал их, когда был в творческом настроении.Это группа, которая использует огромный набор инструментов для создания оригинальных звуков. Я думаю, вы можете сказать, что многие из них были артистами, особенно в этой песне ».

Cottam - B Side EP 2

Друг прислал мне это с инструкцией:« заблудись в этом ». B Side EP 2 от продюсера Cottam - это десятиминутное приключение, в котором смешиваются афробит, джазовые риффы и немного дип-хауса в одну восхитительно вдохновляющую мини-сагу. Поймайте себя, пытаясь подпевать вокальному сэмплу Bola Johnson Lagos Sisi, пока трек поглощает вас.

Gesaffelstein - Pursuit

Роб Дэвис, изучавший изобразительное искусство в Уимблдонском колледже искусств, рекомендует этот фейерверк от французского техно-продюсера.

Он говорит: «Это бьет вас по затылку, это действительно темно и грубо. Это меня взволновало и без стеснения позволяет весело провести время с грубой агрессией».

Макс Рихтер - Shadow Journal

Продюсер, композитор и пианист Макс Рихтер заново изобретает классическую музыку для современной эпохи. Он работал с Future Sound of London и Roni Size, но именно его работа в качестве сольного музыканта сделала его имя.В Shadow Journal Тильда Суинтон читает Кафку под навязчивый инструментал из арф, скрипок и синтезаторов.

Bonobo - We Could Forever

Есть что-то захватывающее в We Could Forever. Это как мотивационный саундтрек к фильму о преодолении огромных трудностей, который сулит хороший сигнал тем, кто пытается увидеть финишную черту в своем великом шедевре.

Зола Хесус и Дж. Дж. Тирвелл - Хикикомори

Взято из последнего альбома Зола Хесуса Versions, Хикикимори - урок переосмысления.Вместе с авангардным композитором Дж. Thirwell, на записи ранее выпущенных песен, Hikikomori - это новая интерпретация, которая раскрывает внутреннюю красоту первоначально звучащего в индустриальном стиле причитания.

Какие песни ты слушаешь на работе? Поделитесь своими мыслями в комментариях ниже или напишите нам в Твиттере @gdnstudents.

5 знаменитых произведений искусства, вдохновивших на создание великой музыки и песен

Композиторы и авторы песен склонны искать вдохновение во многих местах.Но знаете ли вы, что известные произведения искусства на протяжении всей истории также выступали в роли музыкальных муз для классических композиторов и современных авторов песен? Вот пять музыкальных произведений, вдохновленных искусством.

ТАКЖЕ ПРОЧИТАЙТЕ: Вернитесь в золотой век малазийской музыки, вдохновленный выставкой фотографий Ilham Gallery


Coldplay Viva la Vida (2008)

«Viva la Vida» Фриды Кало.

Обложка альбома Viva la Vida или Death And All His Friends британской рок-группы Coldplay 2008 года может быть картиной Эжена Делакруа Liberty Leading the People , но песня Viva la Vida вдохновлена последняя картина покойной мексиканской художницы Фриды Кало... также называется (сюрприз, сюрприз) Viva la Vida .

Работы Кало, изображающие арбузы разной формы нарезки, говорят о яркости жизни среди невзгод и невзгод.

Кало была на последних этапах своей жизни, когда она нарисовала Viva la Vida . Альбом и сингл Coldplay также полны энергии и отголоски революции.

Стивена Сондхейма «Воскресенье в парке с Джорджем» (1984)

«Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт» Жоржа Сёра.

Поклонники музыки наверняка знают отмеченный наградами мюзикл 1984 года Стивена Сондхейма « Sunday In The Park With George ».

Мюзикл, удостоенный премии "Тони и Оливье", вращается вокруг Джорджа, который так увлечен рисованием своего шедевра, и его правнука (которого также зовут Джордж), циничного современного художника.

Что вы, возможно, не знаете, так это то, что этот мюзикл был вдохновлен французским художником-пуантилистом Жоржем Сёра «» «Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жат ».Более того, главный герой мюзикла Джордж - это вымышленная версия Сёра.

Дона Маклина Винсент (1971)

Винсент Ван Гог «Звездная ночь».

Американский исполнитель и автор песен в стиле фолк-рок Дон Маклин, наиболее известный своей хитовой песней 1971 года American Pie, написал еще одну известную песню для того же альбома.

Прочитав книгу о голландском художнике-постимпрессионисте Винсенте Ван Гоге, Маклин написал захватывающую песню, вдохновленную картиной Ван Гога 1889 года Звездная ночь .

Нат Кинг Коула Мона Лиза (1950)

«Мона Лиза» Леонардо да Винчи

Являясь одним из самых известных и узнаваемых произведений искусства в мире, Леонардо да Винчи 9024 Лиза , несомненно, была музой многих творческих умов. Но знаете ли вы, что она также вдохновила певца Нэта Кинга Коула на одноименную песню 1950 года?

Написано Рэем Эвансом и Джеем Ливингстоном для корабля Captain Carey, U.В фильме S.A. песня прямо отсылает к картине эпохи Возрождения и знаменитой таинственной улыбке Моны Лизы.

«Ты улыбаешься, чтобы соблазнить любовницу Моны Лизы, или это твой способ спрятать разбитое сердце».

Он также получил Оскар за лучшую оригинальную песню в 1950 году.

5. Клод Дебюсси La Mer (1905)

Кацусика Хокусай «Большая волна у Канагавы».

Если у вас есть футболка с яркой синей волной на фоне горы, вероятно, она вдохновлена ​​картиной японского художника Кацусики Хокусая The Great Wave Off Kanagawa .

Это произведение является частью серии гравюр Хокусая « Тридцать шесть видов горы Фудзи ».

Говорят, что этот культовый принт вдохновил французского композитора Клода Дебюсси на произведение La Mer (Море). Оркестровое произведение вызывает буйную силу моря, очень похоже на изображение Хокусая на его гравюре.

7 песен, вдохновленных некоторыми из самых знаковых картин в истории искусства - Музыка

Сила изобразительного искусства такова, что оно также вдохновляет песни из самых разных музыкальных жанров.

Когда я хочу почувствовать вдохновение, в большинстве случаев мой любимый музыкальный плейлист - это все, что мне нужно, чтобы вызвать муз, и, думаю, я не единственный, кто это делает. На протяжении всей истории художники и другие визуальные художники заявляли, что определенные мелодии или песни вдохновляли их изображать музыку на визуальном уровне. Лучшим примером этого является Василий Кандинский, синестезия которого позволила ему создать одни из самых умопомрачительных картин, основанных на музыке, которую он слушал. Тем не менее, может ли вдохновение происходить наоборот? Могут ли картины вдохновлять музыку? Что ж, хотя это не так распространено, это произошло во всех музыкальных жанрах, от классической музыки до хип-хопа или хэви-метала.Итак, если вы готовы слушать что угодно и хвастаться своими знаниями в области искусства, взгляните на этот список песен, а также на знаменитые картины, которые их вдохновили.


«Ла Мер» Клода Дебюсси - Большая волна у Канагавы Кацусика Хокусай

Начнем с классики. В этом культовом произведении известного французского композитора используются инструменты для изображения роста естественной силы, изображенной на самой культовой панели Кацусика Хокусая, The Great Wave off Kanagawa , которая, пожалуй, является самым известным произведением японского искусства в мире.Когда вы слушаете песню, вы можете представить себе волны, поднимающиеся и опускающиеся, все более мощные, и борьбу кораблей, теперь совсем маленьких и уязвимых для силы моря.


«Viva la Vida» от Coldplay - Viva la Vida, Watermelons by Frida Kahlo и Liberty Guiding the People by Eugène Delacroix

Частный случай, потому что, хотя он был вдохновлен картиной Фриды Кало, музыкальное видео, а также концепт-арт альбома Viva la Vida были вдохновлены книгой Эжена Делакруа Liberty Guiding the People .Тем не менее, фронтмен группы Крис Мартин заявил, что идея альбома заключается в том, чтобы Фрида Кало могла преодолевать трудности и при этом радоваться жизни. Однако, возможно, с визуальной точки зрения, лучше было бы музыкальное видео, связанное с вдохновляющей картиной Делакруа, а не связкой арбузов (теперь, когда я думаю об этом, я бы тоже посмотрел видео об этом!).



«Венера» Леди Гага - Рождение Венеры Сандро Боттичелли

Как можно понять по названию, альбом Леди Гага сосредоточен на Artpop .Обложка была сделана поп-исполнителем Джеффом Кунсом, но эта песня, в частности, была вдохновлена ​​хорошо известным шедевром Боттичелли, The Birth of Venus . В то время как тексты, кажется, изображают богиню в инопланетной манере, ее описания визуально отсылают к ренессансному образу богини, появляющейся из морской ракушки.


«Винсент (Звездная звездная ночь)» Дона Маклина - Звездная ночь Винсента Ван Гога

Винсент Ван Гог создал несколько самых известных картин, песен «Звездная ночь» в прошлом веке.Однако, пожалуй, самым известным примером того, как эта картина тронула сердца художников из других областей, является песня Дона Маклина «Винсент». В то время как песня относится к творчеству Ван Гога в целом, The Starry Night особенно подчеркнута в текстах, описывая синие и темные тона картины на контрасте с золотым сиянием звезд на заднем плане.


«Danse Macabre» Камиллы Сен-Сэенса - Danse Macabre картин и стихов средневековья

Danse Macabre показал, что - это особый художественный и литературный жанр, в котором танцуют люди. со Смертью или скелетами.Эти произведения искусства служили напоминанием о смертности человечества, поэтому они были в моде в средние века, когда продолжительность жизни была не такой высокой, как сейчас, и чума унесла жизни тысяч людей. Французский композитор Камиль Сен-Сэнс, вдохновленный этой традицией, создал «музыкальную поэму», в которой он изображает Смерть, призывающую мертвых танцевать под мелодию его скрипки.


«Что вода дала мне» Флоренс и машина - То, что я видел в воде Фриды Кало

Теперь, смена музыкального жанра, Флоренция и Машина также нашел важный источник вдохновения в картине Фриды Кало, в данном случае What I Saw in the Water .Эта в высшей степени символическая картина изображает почти мечтательное видение человеческой жизни и смерти, плывущей по воде ванны. Хотя в песне говорится о детях, которых уносит в море, образ был вдохновлен изображением Кало тел на воде.


«Правое крыло садового триптиха» от Cradle of Filth - Сад земных наслаждений Иеронима Босха

Мне пришлось включить эту песню из-за культурного влияния Иеронима Босха шедевр, особенно правая панель триптиха Garden of Delights , где изображен Ад и все его причудливые муки.В этой песне Cradle of Filth лирика сосредоточена на апокалиптическом тоне картины, а также на мучениях, которые ожидают грешников согласно видению Босха (да, это должен был быть тот металл !). Но если вы не слишком увлечены этим музыкальным жанром, вы можете взглянуть на тексты, чтобы иметь представление о том, как картина описывается на протяжении всей песни.

-

Возможно, в следующий раз, когда вы будете искать вдохновение, вы можете пойти в музей и поискать новую работу, которая вдохновит вас и укрепит ваше творчество.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *